Efemérides (Mayo): Frank Sinatra, Rafael Escalona…

Mayo 14 de 1998: Muere Frank Sinatra

El mundo se queda sin «La voz». Murió a los 82 años en Los Ángeles un hombre seductor, pendenciero, crooner. Una de las figuras más importantes del siglo XX y uno de los cantantes más populares de todos los tiempos en todo el mundo. Y en Nueva York se iluminó de azul el Empire State Building para homenajear al cantante de «Ol’ Blue Eyes».

«Yo diría que la mitad de la población de Estados Unidos que tiene más de 40 años fue concebida mientras sus padres escuchaban discos de Sinatra», dijo un escritor. Es muy posible.

El presidente Bill Clinton, que se proclamó su gran admirador, declaró: «Creo que todos los norteamericanos deben sonreír y decir que verdaderamente vivió a su manera».

«Cuando yo tenía 2 años, vi una vez en la tele a Sinatra y al Papa y dije: ¿Quién es ese tipo que está al lado de Frank Sinatra?», comento la actriz cómica Roseanne.

Vivió a lo grande, dinero, fama, mujeres, trajes elegantes, casas fastuosas, pero la muerte, como a todos, terminó por alcanzarlo. Se decía que su lema era esta frase lapidaria: «Tienes que amar la vida, baby, porque morir es una lata». En realidad dijo «un coñazo

Frank Sinatra era hijo de un siciliano que boxeaba al tiempo que trabajaba de bombero, y de una genovesa. Él empezó como chico de los mandados en el periódico de su ciudad natal, pero no contento con el oficio, organizó su propio grupo musical. Su padre protestó: «Cantar es para afeminados».

Grabó su primer disco a los 24 años, y a los 27 se convirtió en una estrella. En su vida de cantante grabó más de 100 discos con éxitos por decenas. En aquella época sus actuaciones provocaban una histeria entre las adolescentes norteamericanas que en las décadas siguientes, y hasta hoy, sólo igualaría Elvis Presley. Pero a pesar de su fama, su carrera conoció altibajos, durante los cuales dirigió su actividad hacia la industria cinematográfica, lo que le valió un Oscar en 1953 por De aquí a la eternidad.

Sinónimo del espectáculo por antonomasia, alcanzó en su vida cimas insuperables, pero también momentos de soledad y silencio. Tuvo y mantuvo grandes amistades, algunas peligrosas, y amores envidiables. En los escenarios hasta los 75, este hombre de múltiples mujeres y conquistas subyugó a las multitudes. Ava Gardner fue la mujer que permanecerá para siempre asociada al recuerdo de Sinatra. Su relación fue intensa y tumultuosa. Se divorciaron y ese fracaso le dio un período en el que hizo su música más emotiva. En 1965, cuando su boda con Mia Farrow, regresa a Nueva York con la actriz 30 años menor que él a bordo de un lujoso yate, perseguido por una corte de periodistas en botes. La llegada de Sinatra y de su bella sirena comparte portada en todos los periódicos.

La sombra de la mafia persiguió un tiempo a este hijo de inmigrantes italianos. Siempre lo negó delante de los jueces. Cuentan que en 1981 pidió que le dejen dirigir un casino en Las Vegas, lo que tenía prohibido hacer desde 1963 por haber ayudado supuestamente a un importante miembro del hampa. La autoridad a cargo de controlar los juegos lo interrogó entonces: «¿Es cierto que llevó 2 millones de dólares a La Habana en un portafolios para Lucky Luciano?». «Si puede encontrarme un portafolios con 2 millones de dólares, se los doy», respondió Sinatra, quien  obtuvo finalmente su licencia con el apoyo del presidente Ronald Reagan. Porque él siempre estuvo bien conectado.

Apoyó activamente la candidatura de John F. Kennedy en 1960. Y él fue quien le presentó a la que se convertiría en la amante famosa del presidente. Fue tan buen amigo de Kennedy como de Nixon, y en 1985 recibió de Ronald Reagan la Medalla de la Libertad, la más alta condecoración civil de EE UU. Ganaba dinero del juego y las apuestas, pero luego daba enormes cantidades de dólares para todo tipo de causas filantrópicas y humanitarias.  Así fue la vida de «La voz».

Mayo 13 del 2000: Muere Luis Macía González

Murió en Bogotá el maestro tenor, maestro de maestros, a quien la música y particularmente el canto colombiano le deben mucho. No en vano fue profesor de algunas de nuestras más importantes figuras. Basta citar a las sopranos Carmiña Gallo y Marina Tafur, a la mezzosoprano Martha Senn.

El profesor Luis Macía González nació en Medellín en 1906. Allí inició su carrera musical, primero desde su casa y después con estudios profesionales tanto a nivel nacional como internacional. Viajó a la capital y entró al Conservatorio de Música de Bogotá para luego irse a Europa a estudiar en el Real Conservatorio de Bruselas, donde fue admitido por un concurso y donde se especializó en canto y pedagogía musical. Al terminar sus estudios ese instituto le otorgó el Premio de canto, destacando todo su talento: «Dueño de una hermosa voz de tenor lírico».

Cuando regresó de Europa después de adelantar durante ocho años estudios, se vinculó con el Conservatorio Nacional y empezó su carrera de concertista y recitalista. El país no tenía en aquella época la infraestructura teatral que tiene hoy, por lo que la música se divulgaba en el teatro Colón de Bogotá, en iglesias, y sobre todo, en la radio.

Habría hecho una muy brillante carrera en los escenarios, pero el destino le jugó una mala pasada cuando quedó ciego por una enfermedad que le deterioraba la vista desde la infancia y una intervención quirúrgica que no obtuvo los mejores resultados por la tecnología de la época. Eso lo obligó a alejarse de los escenarios pero no de la música; a partir de entonces decidió dedicarse a la docencia. Y esa fue una de las grandes satisfacciones de su vida: haber logrado que muchos de sus alumnos, gracias a sus enseñanzas y dedicación, cristalizaran con éxito sus carreras en Colombia y en el exterior.

Era conocido como un ferviente enamorado del lied, (un término usado en la música clásica para referirse a una canción lírica corta cuya letra es un poema al que se ha puesto música, y escrita para voz solista y acompañamiento, generalmente de piano), y de la canción francesa. Fue en esos géneros donde encontró la elegancia, el refinamiento y el buen gusto que le inculcó a sus alumnos a la hora de interpretar.

«Pero no sólo fueron sus facetas de artista y pedagogo las que lo engrandecieron. Poseía una vasta cultura y no sólo musical, un optimismo que sabía irradiar, una capacidad infinita para disfrutar las cosas pequeñas de la vida, y con su habitual sencillez, prudencia y buen humor, quienes estuvieron cerca se convencieron de contar con la amistad de un hombre de características excepcionales».

Mayo 13 del 2009: Muere Rafael Escalona

Muere uno de los más prolíficos compositores de la música vallenata, un hombre que forjó de la mano de otros grandes del folclor el ritmo que hoy es reconocido en cada rincón del mundo. El Juglar mayor. Rey vitalicio del Festival de la Leyenda Vallenata.

Rafael Escalona nació en el caserío de Patillal, Cesar, esa zona del país donde más se compone y disfruta el popular ritmo que se interpreta con acordeón, caja y guacharaca, en el hogar formado por Clemente Escalona, un coronel de la Guerra de los Mil Días, y Margarita Martínez Celedón.

Fue el séptimo de nueve hermanos y el único que encaminó su vida a la música: «Mi papá fue veterano de la Guerra de los Mil Días y oficial del general Uribe Uribe. Durante la guerra, en una de sus pasadas por Patillal, conoció a mi mamá. Le mandó flores, le dio serenatas, le recitó poesías y se fue. Después regresó y se casó con ella, para probarle que su amor era sincero. Se quedó en el pueblo descansando de la guerra, encantado de ese amor y organizando una nueva vida. Les nacieron varios hijos, y nací yo también. Detrás del patio de mi casa había un arroyo seco, de arenas blancas y finas, y en sus orillas palos de aceitunos silvestres. Ahí en ese arroyo se reunía la gente del pueblo en noches de luna a comentar cosas, a recitar poesías, a cantar décimas, a echar cuentos y a referir historias y chismes del pueblo, y de otros pueblos. Patillal era un caserío soñador, lleno de encantos». Tal vez por eso sus composiciones se caracterizan por recurrir de manera espontánea a imágenes fantásticas y situaciones irreales, como si se tratara de algo perfectamente lógico y posible.

Su música y forma particular de ser lo llevaron a codearse con grandes personajes de la vida colombiana, entre ellos nuestro nobel, con quien comenzó una amistad desde cuando Gabo era redactor de un periódico de Barranquilla. También fue amigo de importantes políticos y mandatarios colombianos. Cuentan que: «Todos los presidentes querían hacerse una foto con Escalona».​ Por su amistad con Alfonso López Michelsen fue nombrado Cónsul de Colombia en Colón, Panamá.

No fue un aventajado estudiante y por esa razón no terminó el bachillerato, aunque lo intentó en varios colegios. Se dice que su primera composición resale a 1943, cuando creó El profe Castañeda. Desde entonces su obra creció, así como su fama de músico, parrandero y mujeriego. A la par con sus versos comenzó una vida sentimental que lo llevó a tener varias compañeras. Fuentes familiares aseguran que tuvo 36 hijos.

Por petición expresa de Gabriel García Márquez, el maestro Escalona fue una de las personas que conformó la delegación que lo acompañó a recibir el Premio Nobel. En 1982 lo acompañó y alegró con su voz y acordeones el frío de Estocolmo. Además fue inmortalizado en Cien Años de Soledad cuando escribió: «… los cantos de Rafael Escalona, el sobrino del obispo». Era sobrino de un célebre obispo católico de la diócesis de Santa Marta, Rafael Celedón Ariza. El escritor y el acordeonero fueron dos hombres que compartieron el año de nacimiento, estuvieron unidos por el destino gracias al arte, a la literatura, a la música, pero sobre todo, unidos por el vallenato.

En noviembre del 2006 recibió el Grammy honorario de la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación en la antesala de la ceremonia que otorgó el primer Grammy a la categoría vallenata.

«Soy un hombre que no toca ni el timbre de su casa. Jamás toqué un acordeón, una guitarra o una guacharaca», decía. Pero logró tocar con sus canciones. «Lo que sé es silbar las canciones que se me ocurren. Luego la melodía sale en busca de las palabras».

«La vida de Escalona fue un homenaje que la naturaleza hizo a través de su existencia al patriotismo, a la amistad, al sentido de familia» fueron algunas de las palabras que se oyeron el día de su despedida.

Mayo 12 de 1980: Aniversario de Silvestre Dangond

Hoy está de cumpleaños uno de los exponentes más emblemáticos de la nueva generación del vallenato y el que tiene mayor proyección internacional hoy en día; un intérprete versátil que ha catapultado a nivel mundial uno de nuestros géneros musicales más representativos. Ha recorrido tres continentes con decenas de conciertos en escenarios tan disímiles como Miami, New York, Houston, Madrid, Paris, Londres, Buenos Aires, Santiago, Lima, Ciudad de Panamá, Aruba o Santo Domingo, en todos registrando lleno total.

Es idolatrado por sus fanáticos, los silvestristas, el movimiento musical más grande en Colombia. El Silvestrismo reúne a sus cientos de miles de fieles seguidores, con quienes además ayuda para varias fundaciones sociales, especialmente aquellas dedicadas a cumplir sueños de niños enfermos o en situación de vulnerabilidad. La FUNDACIÓN SILVESTRISTAS DE CORAZÓN GRANDE, es una organización sin ánimo de lucro encaminada a realizar obras sociales para favorecer a los niños más necesitados de Colombia. El trabajo de FUNSICOG24​ va coordinado por él mismo. La consigna es el mejoramiento de la calidad de vida del mayor número posible de niños necesitados, y aportar un granito de arena en su desarrollo integral, que de manera óptima deben tener, procurando principalmente encaminarlos a explotar sus capacidades creativas, lo que les permitirá ser adultos exitosos.

Silvestre Dangond nació en Urumita, cerca a Valledupar (Acordate Moralito de aquel día que estuviste en Urumita y no quisiste hacer parranda, te fuiste de mañanita, sería de la misma rabia), es heredero de la vena musical de su padre, de la inspiración de su padrino Jorge Oñate, y de su madre, que proviene de una familia musical; ella desempeñó un papel importante en su educación formal y personal y le transmitió además su carácter carismático. Fue precisamente junto a ella y a sus abuelos maternos con quien adquirió las vivencias, costumbres y gustos de la vida lugareña que logra plasmar en sus composiciones con mucha frescura y naturalidad.

Sus primeros años de vida los pasó en Valledupar, donde se sintió atraído por esa forma de contar la cotidianidad que tiene el vallenato, ritmo que se convirtió en su género musical favorito para mostrar su talento y carisma en los festivales estudiantiles, donde obtuvo varios premios como intérprete y compositor de sus propias creaciones. 

En el 2000 él y su familia se trasladaron a Bogotá con el propósito de cumplir su sueño de desarrollar una carrera musical como cantante profesional, un proceso que comenzó paso a paso, presentándose inicialmente en fiestas y parrandas con su gran amigo el acordeonero Coco Zuleta, quien reconoció su talento y trabajó con él desde el principio.

Luego en el 2002 logró lanzar su primer trabajo discográfico marcando el inicio de su carrera musical en el mundo del vallenato. Luego vino una seguidilla de álbumes que arrasaron en ventas.

Silvestre Dangond es un artista consagrado que ha llevado el vallenato a otras fronteras y sigue dejando huella. Le deseamos un Feliz Cumpleaños!

Mayo 12 de 1995: Muere Rodrigo Arenas Betancourt

Murió el escultor y escritor antioqueño nacido en Fredonia en 1919, el creador del Bolívar desnudo de Pereira.

A lo largo de su vida Rodrigo Arenas Betancourt se desempeñó en diversos oficios. Siendo niño fue agricultor, más tarde en su pueblo y en muchos lugares de América y Europa fue tallador de Cristos, cartero, imaginero, ayudante y obrero de escultores y muralistas; ayudante de escenografía en los Estudios Azteca de México; maestro, profesor, colaborador, reportero y escritor de revistas nacionales y extranjeras; fotógrafo de arquitectura y, principalmente, escultor. Fue asesor artístico de la Universidad de Antioquia, ministro consejero de la Embajada de Colombia ante el gobierno de Italia, fundador y profesor de la Escuela de Artesanías Ciudadela de México.

En México vivió unos 25 años y fue allí donde en 1956 realizó su primera obra en formato de diez por diez metros, que a comienzos de los años sesenta fue ubicada en la Plaza de Bolívar de Pereira. Mucha tinta corrió cuando entregó su Bolívar desnudo. Hubo entonces censuras y críticas. Pero esa escultura del Libertador portando una tea incendiaria y a horcajadas sobre un potro desbocado, empezó a ser observada y admirada como un símbolo. También hizo polémica su Cristo moreno que fue llevado a San Benito (Sucre), donde lo llamaron Cristo cachaco. Después vendría una amplia serie de monumentos. Desde los años cincuenta dedicó su vida a trabajar monumentales esculturas encargadas por el gobierno o las grandes empresas del país. Hoy día muchas de ellas son puntos de referencia e identidad de ciudades. En Colombia y México han sido ubicadas en plazas, parques, pueblos y universidades.

Cuentan que el maestro nunca abandonó el trabajo, ni siquiera cuando se enteró de que su vida iba a terminar. Comenzó una serie de esculturas que llamó Los amantes y que quedó completamente terminada. Junto con una escultura monumental para la Clínica Las Américas de Medellín, fueron sus últimos trabajos en la escultura.

Su hija, que se había trasladado desde México los últimos años para trabajar a su lado, contaba: «Para mi padre no existían ni el día ni la noche, y podía pasar dos días sin dormir. Podían ser las doce de la noche o la una de la mañana, aun así se levantaba, se tomaba unos whiskys y se ponía a trabajar. Yo me tenía que levantar con él porque había que seguirle el ritmo. Él nunca pudo estar quieto, por mal que estuviera cogía un lápiz y dibujaba o escribía para expresar lo que llevaba dentro».

Antes de morir, Rodrigo Arenas Betancourt llamó a su amigo Otto Morales Benítez: «Me dijo, hermano, lo llamo para despedirme. Yo sabía que estaba enfermo pero le dije: para dónde te vas? El dijo: “es que ya cumplí el itinerario mío, y entonces uno se despide de los amigos. Le respondí: tú no te mueres porque tu obra está en el viento, en el aire, en la calle; le está diciendo a los colombianos cómo deben soñar, cómo deben pensar, cuál es el futuro: Tu mensaje es eterno, nunca vas a desaparecer, hasta luego, adiós hermano».

Un homenaje hoy y siempre a nuestro gran Maestro!

Mayo 12 del 2007: Muere José Barros

Murió El gran cantor del río. Nació en 1915 como José Benito Barros Palomino, hijo de una mujer indígena, Eustasia Palomino, con José Maria Barros, cuyo padre era un inmigante portugués llamado Joao Do Barros.

En su Biografía se afirma que ya a los diez años, él, su hermano y un grupo de amigos, se encontraban organizados para tocar en parrandas, y cobraban 20 centavos por intervención en tiple y guitarra. Entrado diciembre, en El Banco se hacían cumbiones, en los que Benito, como era llamado por sus amigos, hacía parte, acompañando a grupos de tambora y de chandé. Él mismo describía su formación musical: «La verdad es que yo me hice compositor mamando gallo, lo único que me interesaba era gozar yo sólo cuando creaba una canción. Después la mandaba a la porra. Se me olvidaba. Mis primeras canciones surgieron cuando tenía doce años, pero yo ya ni las recuerdo».

En su infancia también fue acólito; se dice que era muy flojo para el estudio y que las únicas tareas que hacía eran las de gramática: «En la clase  de aritmética me la pasaba leyendo a Amado Nervo». Al parecer le importaba más aprender la estructura de los versos que los demás deberes escolares, y dejó la escuela en quinto de primaria.

Entrada su adolescencia era motivo de preocupación de sus hermanos mayores pues cuentan que se mostraba indiferente al trabajo. Su hermano mayor, preocupado, lo financió para que iniciara un negocio: hizo que un hotel de la región le comprara gallinas además de otros bienes, creyendo que tal vez podría ser un gran negociante. Pero con la llegada de su primera novia todo su capital fue derrochado y su negocio quedó atrás. Al no poder encontrar su propio lugar en El Banco, se aventuró a partir, y nunca pensó en comunicarse con su familia. Por eso, algunos años después de su partida, cuando en El Banco se referían a él, lo llamaban el difunto.

Su primer destino fue Santa Marta, y allí nació su deseo de viajar a Argentina, el cual no pudo cumplir por no tener libreta militar, motivo por el cual se enlistó en el ejército. Aún viviendo en un régimen disciplinario se las arreglaba para aprender a tocar guitarra con un nuevo amigo: el soldado Jaime Gutiérrez que fue su compañero cuando escribía letras de boleros. Por ese entonces el vallenato era un ritmo proscrito. Alcanzó el grado de sargento segundo, y al salir del cuartel sólo se llevó la guitarra que su amigo le dejó como recuerdo.

Su aventura apenas comenzaba; la siguiente parada fue Barrancabermeja; desde su llegada conoció a músicos de la región y creó su primer grupo musical. Luego tomo la decisión de viajar a Segovia atraído por la llamada fiebre del oro. Su espíritu aventurero lo llevó a Medellín, donde tuvo que soportar varias penurias: «Para poder sobrellevar el hambre, tuve que robar una papa en la calle; para que no me sorprendieran me la eché al bolsillo del saco con tan mala suerte que estaba roto, y la papa cayó al suelo». De este penoso capítulo de su vida nacieron canciones como: Mala suerte y alguna en ritmo de tango. Había escuchado a Gardel y su música fue de gran influencia para él; y contaba que asistió a su sepelio. En 1942 regresó a su ciudad natal donde se le daba por muerto. Ese día se formó una parranda que duró hasta al amanecer. Pero su alma aventurera estaba intacta y por esto comenzó una gira por el continente americano.

Fue en Perú donde grabó su primer disco en 1944. En 1946 Don J. Glottmman le dió la oportunidad de recibir sus primeras regalías por sus primeros dos tangos grabados, fueron dos mil dólares. Luego de su gira suramericana regresó a Colombia por un corto período y continuó con su viaje a México, país donde más tarde algunas de sus canciones llegaron a hacer parte de películas. De México fue deportado por indocumentado y su destino fue Bogotá donde se encontró con músicos de la talla de Lucho Bermúdez y Pacho Galán. «A mi papá le daba muy duro porque ellos eran personas estudiadas y él, empírico. Aprendió de viejo a escribir música, por necesidad, porque aunque ellos eran amigos y le ayudaban a escribir la música, también eran competidores», contaba su hijo. De Bogotá se trasladó a Cartagena por contrato con discos Fuentes, y así comienza un nuevo capítulo con Los Trovadores de Barú, que con su aporte se hizo muy polifacético y tuvieron mucho éxito.

Fueron contratados para grabar con duetos y tríos, y acompañaban a solistas internacionales. Luego se fue a Barranquilla, donde intentó crear su propio sello discográfico Jobar. De regreso a Bogotá se reunía con sus amigos compositores y fue en donde según él mismo decía, comenzó a componer La Piragua, una de la más bellas cumbias colombianas. La historia terminó de escribirla en 1962 en una cafetería-bar: «La piragua nació al ver que El Banco no tenía una canción que lo identificara. Esa letra tenía que ser una letra romántica, bonita, histórica. Entonces me acordé de una historia que sucedió en El Banco con un señor cachaco llamado Guillermo Cubillos». Al final de sus días decía que él no había hecho la piragua de Guillermo Cubillos, porque no era carpintero: «Anécdotas en la vida mía hay muchas, pero hay una muy curiosa. Se trata de La piragua; cierta casa de discos me pidió que le hiciera un par de canciones para concursar internacionalmente. Le dije al director artístico que le recomendaba La piragua, y me salió con el cuento de que eso no sirve porque es muy poético. Queremos algo folclórico. Recogí la canción. Unos amigos vallenatos la grabaron. Salió La piragua y causó un impacto nacional e internacional». Justo en ese momento, cuando su fama alcanzaba todas las esferas de la sociedad colombiana, decidió regresar a su ciudad natal donde dedicó sus esfuerzos a crear el Festival Nacional de la Cumbia. Su vida allí era escribir, cantar y visitar a sus amigos; y así transcurrió hasta el final de sus días, dejándonos lindas canciones y bellos recuerdos de juventud.

Sobre lo que pensaba de la cumbia dijo: «La verdad es que con palabras, no sé qué diablos es la cumbia. Yo la siento, vivo a través de ella. Me da fuerzas cuando estoy vencido, y a veces hace que se me olvide que tengo hambre o sed».

Mayo 12 del 2013: La madre Laura es canonizada

Fue canonizada por el Papa Francisco en la Plaza de San Pedro de Roma, la beata Madre Laura, convirtiéndose así en la primera santa colombiana. (No somos país de santas).

Laura Montoya Upegui nació en Jericó en 1874. Después de la muerte de su padre, un médico y comerciante asesinado durante la guerra civil cuando ella tenía solo 2 años, su madre crío a sus tres hijos en la pobreza extrema. Primero pensó en hacerse carmelita cuando a los 16 años su familia la envió a estudiar para ser maestra.

Su profesión de maestra la puso en contacto con muchas poblaciones de Antioquia y luego en el Colegio de la Inmaculada de Medellín, hasta que se sintió llamada a realizar «La Obra de los Indios», una obra heroica al servicio de los indígenas de los bosques de América. Un sacerdote amigo le presentó la situación de los indios y a partir de ahí se dedicó a informarse. Viendo que muchas poblaciones indígenas lejos de los centros urbanos vivían ignorantes de la fe cristiana, apoyada por Monseñor Maximiliano Crespo, obispo de Santa Fe de Antioquia, decidió fundar la Congregación de las Misioneras de María Inmaculada y de Santa Catalina de Siena, para llevar la luz del Evangelio a los habitantes del bosque, a lo que la mayoría de los sacerdotes habían renunciado. Pidió ayuda a las Congregaciones Religiosas: todas le responden que sus reglas no les permiten dejar sus hogares por esos lugares demasiado pobres e inhóspitos donde ella quiere llevarlos.

Decidida, se dirige al recién electo presidente colombiano, su compatriota de Medellín Carlos Restrepo, quien la recibe, le confía que su propio padre era defensor de los indígenas y le promete su ayuda. Con cinco de sus discípulas y su madre Doloritas Upegui, formó el grupo de Misioneros catequistas de los Indios que, el 5 de mayo de 1914, partió de Medellín hacia Dabeiba, un pequeño pueblo al pie de los Andes, abriendo camino en el bosque. A principios  de agosto llegaron. Y eso, a pesar de los pájaros de mal agüero que, en su camino les presagiaron «muerte con esos salvajes». En el pequeño pueblo las condiciones eran duras: Laura y sus compañeros se instalan en un presbiterio antiguo, casi en ruinas. La pequeña comunidad de mujeres, que ya se llaman «Madre» y «Hermanas», se pone manos a la obra y a las dos semanas pueden abrir una escuela.

Hubo desengaños: las religiosas despertaron la desconfianza de los caciques. Pero como buena maestra, Laura sabe cómo encontrar las palabras para derribar barreras y se compromete con la comprensión de la cultura india. Su método misionero critica a las otras escuelas de la época que predicaban una catequesis que incluía el abandono de la cultura y la lengua nativa como paso fundamental en la cristianización. Fruto de su trabajo, su joven Congregación fue reconocida en 1916 por el Obispo de Antioquia. Más tarde, nueva desilusión: el pequeño pueblo fue desprendido de la diócesis de Antioquia y confiado a una prefectura apostólica cuya superior, una carmelita, quería obligar a las monjas a hacerse carmelitas. Después de varios años de combate, las religiosas lauritas pudieron continuar.

Enferma, Laura Montoya se retiró en 1940 a Medellín, donde solo se movía en silla de ruedas, lejos del bosque y de sus queridos indios. Después de toda una vida de servicio, murió allí en 1949. A su muerte, su Congregación contaba con 90 Casas, en tres países, y 467 monjas. Ahora están trabajando en 19 países de América, África y Europa.

Las palabras del Papa Francisco durante la ceremonia de canonización fueron:

«La santa Maura Montoya fue un ejemplo de evangelización, primero como maestra y después como madre espiritual de los indígenas, a los que enseñó la esperanza, acogiéndolos con ese amor aprendido de Dios, y llegando a ellos con una eficaz pedagogía de respetar su cultura; no se contraponía a ella».

Las hermanas Lauritas la describen como «Una mujer sencilla, con ingenuidad de niña y sumamente humilde». Están seguras que se hubiera opuesto a todo el barullo que se armó por su santificación porque «Ella siempre quiso pasar desapercibida. Para ella, los más importante de toda la creación eran los indios y los más desvalidos».

Mayo 11 de 1981: Muere Bob Marley

Murió el cantante, compositor y guitarrista responsable de hacer del reggae un ritmo conocido en todo el mundo, y uno de los mayores representantes del movimiento rastafari.

La leyenda del reggae vivió una vida excepcionalmente plena en muy poco tiempo. Bob Marley nació en una zona rural en el norte de Jamaica; era hijo de un militar blanco, capitán del ejército inglés, que tenía casi 60 años en el momento. Su madre era una joven de 19 originaria de un pueblo del campo.

Cuenta la historia que cuando era un niño parecía tener una habilidad especial para asustar a la gente al predecir con éxito su futuro leyendo las palmas de las manos. Tras la muerte de su padre en 1955, Bob y su madre se fueron a vivir a la comunidad de Kingston, un barrio desesperadamente pobre. Debido a su composición racial mixta fue intimidado y apodado despectivamente «Chico Blanco» por sus vecinos. Sin embargo, más tarde dijo que la experiencia lo ayudó a desarrollar esta filosofía: «No estoy del lado del hombre blanco ni del lado del hombre negro. Estoy del lado de Dios».

A los siete años, después de un año viviendo en los guetos de Kingston, regresó a su aldea rural, y declaró que su nuevo destino era convertirse en cantante. A partir de entonces, rechazó todas las solicitudes para leer las palmas. Él y sus amigos Bunny Livingston y Peter Tosh, pasaron mucho tiempo escuchando ritmos y blues en las estaciones de radio. Llamaron a su banda Wailing Wailers. Como rastafaris practicantes, se dejaron crecer el pelo en rastas y fumaron ganja (marihuana) porque creían que era una hierba sagrada que traía la iluminación. Los Wailers grabaron para pequeños sellos jamaicanos a lo largo de la década de 1960.

Las letras de Marley tomaron un giro más espiritual, y a principios de la década de 1970, se hicieron populares entre el público internacional. Cuando sus compañeros se fueron a sus carreras en solitario, contrató una nueva banda y ocupó el centro del escenario como cantante, compositor y guitarrista. Produjo una serie de álbumes con carga política que reflejaban la conciencia social que llegó a definir sus letras. Escribió sobre la violencia política generalizada que vio en Jamaica, lo que lo transformó en un ícono cultural influyente.

En 1976, dos días antes de que fuera programado para tocar en un concierto gratuito «Smile Jamaica» destinado a reducir las tensiones entre las facciones políticas en guerra, un pistolero desconocido lo atacó a él y a su séquito. Aunque las balas sólo rozaron a Bob y a su esposa Rita, electrificaron a una multitud de 80.000 personas cuando ambos subieron al escenario con los Wailers. El gesto desafiante realzó su leyenda y galvanizó aún más su perspectiva política, lo que resultó en los álbumes más militantes de su carrera.

Marley y Rita se casaron cuando ella tenía 21 años y era maestra de escuela dominical. Adoptó a su hija, tuvieron cuatro hijos más, y permanecieron casados hasta la muerte de Bob. Bob tuvo varios hijos más con mujeres diferentes. En 1977 le diagnosticaron un cáncer de piel agresivo, se negó a tratarlo por motivos religiosos. Al final de su vida se unió a la Iglesia Ortodoxa, pero ya era demasiado tarde. Murió en Miami en 1981. Su cuerpo fue trasladado de regreso a Jamaica para ser enterrado y, en un día, 40.000 personas desfilaron frente a su ataúd en el National Arena de Jamaica. El funeral fue honrado por el jefe de estado y su fecha de nacimiento es un feriado nacional en Jamaica.

Tenía solo 36 años cuando murió pero dejó un enorme legado musical. Recibió la Medalla de la Paz del Tercer Mundo de las Naciones Unidas en 1978. Fue incluido póstumamente en el Rock y Roll Hall of Fame en 1994. La BBC proclamó One Love como Canción del Milenio. Y en el 2001 recibió un premio Lifetime Achievement Award en los Grammy.

Su música sigue inspirando e influyendo en la música, la moda, la política y la cultura de todo el mundo. Bajo la etiqueta Marley Natural, el ícono del reggae encabeza una marca global de marihuana. Los productos incluyen las cepas de cannabis jamaicanas tradicionales, supuestamente la misma que disfrutaba el propio Marley, junto con accesorios para fumar, cremas, lociones. La hija Cedella, dice que la marca es una «forma auténtica de honrar su legado al sumar su voz a la conversación sobre el cannabis y ayudar a poner fin a los daños sociales causados ​​por la prohibición. Mi papá estaría muy feliz de ver a la gente entender el poder curativo de la hierba». Además de Marley Natural, su familia también ha licenciado marcas de café, equipos de audio, indumentaria y artículos de estilo de vida. Por supuesto, Marley también ha vendido más de 75 millones de álbumes en las últimas dos décadas. Legend, una retrospectiva de su trabajo, es el álbum de reggae más vendido de la historia con más de 12 millones de copias. Es una de las celebridades muertas con mayores ingresos. A fines del 2018 Forbes lo incluyó en el quinto lugar de la lista.

Mayo 10 del 2006: Muere Soraya

Murió una querida cantante estadounidense de origen colombiano. Soraya nació en Nueva Jersey de padres colombianos; aprendió a tocar la guitarra a los 5 años y el violín clásico a los 9. Estudió literatura y filosofía, y trabajó como azafata durante tres años.

Su carrera despegó cuando una canción de su primer álbum, En Esta Noche, ocupó el primer lugar en las listas Billboard de la Canción Latina Pop en 1996. El éxito fue inmediato en Latinoamérica y en el mercado hispano en los Estados Unidos, y luego de componer la banda sonora para una serie internacional de televisión, le siguieron ventas de cientos de miles de CD’s en países lejanos como Alemania y Australia.

Una estrella había nacido, y su potencial era ilimitado. Su inconfundible voz y el poder de las melodías le significaron invitaciones a una gira internacional con Sting. En el 2000, dos semanas antes de iniciar una gira para promocionar su tercera producción, Cuerpo y Alma, a sus 31 años sufrió un duro revés: le diagnosticaron cáncer de mama, una enfermedad que le había costado la vida a su madre, a su tía y a su abuela. Luego de librar una dura batalla de tres años regresó en el 2003 con Soraya, un nuevo disco con 11 canciones en español y una en inglés.

El tema Casi fue definido por ella como: «El canto del triunfo de la vida. Habla de ese instante en que casi te rindes y te entregas, pero al fin tocas tierra nuevamente y recuperas tu estabilidad». La Fundación Susan G. Komen para el Cáncer de Mama la eligió como su vocera latina, y Soraya hizo incansables giras por Estados Unidos, Centro y Sudamérica, generando una importante actividad a nivel de los medios en lo relacionado con la toma de conciencia sobre la enfermedad.

Ganadora de un Grammy Latino al Mejor Álbum de Cantautor en el 2004, tenía solo 37 años cuando nos dejó. Poco antes de su muerte, en su sitio oficial publicó una sentida carta, como despidiéndose de sus seguidores, donde habla de la recaída de su enfermedad: «Mi historia física puede llegar a su fin, pero estoy segura que la que existe en el corazón de ustedes seguirá presente por la eternidad. Confío en que mi existencia dejará huella en la vida de ustedes beneficiando en un futuro a muchas mujeres y que la luz de mi vida iluminará la de muchas familias más.

Casi se me acaba la fe. Casi se me escapa el amor. Casi se me quiebra la inocencia, se me agota toda la fuerza para luchar un día más. Casi me rendí, pero hoy no pierdo esta batalla porque sé que lo que he luchado no es en vano, si no que ayudará a vencer una batalla mayor, la de la detección temprana y prevención de este terrible mal. Ahora les toca a ustedes seguir con nuestra misión. Deseo de corazón contagiarles mi amor a la vida y que seas tú un canal que lleve a mucha gente este mensaje que puede salvarles la vida. Te pido comprendas la oportunidad que tienes ahora de prevenir un enemigo que puede acabar con tu vida. ¡No se dejen vencer!, hay mucho camino que recorrer y esta lucha vale la pena».

Soraya perdió la batalla contra ese terrible mal, pero dejó un gran legado musical y humano.

Mayo 9 del 2015: Muere María Eugenia Dávila

Murió el día en que cumplía 66 años una de las glorias de la televisión colombiana. A María Eugenia Dávila en su juventud la describían como: Una bellísima joven de ojos verdes brillantes y rostro firme y alegre. Su belleza se adornaba con una mirada encantadora, triste, enigmática, profunda y melancólica;  el color de sus ojos tenía el mismo resplandor  del arco iris en un día luminoso después de la lluvia. Su cara, por la gracia y perfección estética allí contenidas, parecían salidas de la Madonna del Libro, la famosa pintura de Botticelli».

Era en verdad una auténtica estrella rutilante y además, una de las más talentosas actrices de la época.

María Eugenia cayó en la droga y el alcohol, una vida que la llevó casi a la indigencia. Perteneció a la Galería de los famosos que bajaron del paraíso de la fama y el prestigio profesional, al oscuro túnel.

En el 2004, El Tiempo decía: «Hoy María Eugenia se esconde, le huye hasta a los espejos. Qué lejos está su risa cantarina que despertaba ecos insospechados entre quienes la oían mientras sus ojos de un verde de matices de ensueño eran capaces de hipnotizar. Ojalá no se apague esa luz».

Pero terminó abandonada. Ni siquiera la Fundación para Actores Adultos Mayores le siguió ayudando, y fue su amigo Pepe Sánchez el que costeó sus gastos médicos. Triste historia. Ella merecía un mejor final. Actriz maravillosa. Huella imborrable en la televisión colombiana. Se la quería!

Ese triste día Pepe dijo: «Para ser justos, su epitafio debería decir: Aquí yace María Eugenia Dávila Cardeño, cuyo deceso se atribuye al aleve atentado padecido por la fama en el escenario de la indolencia nacional».

Mayo 6 de 1840: Muere Francisco de Paula Santander

Murió en Bogotá uno de los líderes de la independencia hispanoamericana. La familia de Francisco de Paula Santander era plantadora de cacao, miembros de la nobleza local. Cuando comenzó el movimiento independentista en 1810, era estudiante de derecho en Bogotá, pero pronto dejó sus libros para unirse a las fuerzas patriotas.

Aceptando el liderazgo de Simón Bolívar, participó en la expedición que escaló los Andes colombianos, intervino en las concluyentes batallas del Pantano de Vargas y de Boyacá, y finalmente expulsó a los españoles de Bogotá. Bolívar lo puso a cargo de la administración de las provincias liberadas, y después fue elegido vicepresidente de la Gran Colombia, que incluía a las actuales Venezuela, Colombia, Panamá y Ecuador. Dado que Bolívar, como presidente, prefirió seguir luchando al frente de sus ejércitos, Santander quedó a cargo de la confederación.

Aunque tenía el rango de general, es recordado como un vigoroso administrador civil. Carecía del magnetismo de Bolívar, pero era un hombre de gran porte y personalidad. Muy consciente de sus propias prerrogativas, respetó sin embargo las formalidades legales. Por eso Bolívar lo apodó el Hombre de Leyes. Como gobernante promovió una serie de reformas liberales diseñadas para frenar la influencia clerical, ayudar al desarrollo económico a lo largo de las líneas de la libre empresa, y extender la educación pública impulsando la creación de escuelas y universidades.

Bolívar y Santander compartían el sueño de la libertad, lucharon juntos por ella, pero se separaron por las diferencias en sus proyectos políticos. La Nación necesitaba expulsar a todos los españoles para que no surgieran nuevos intentos de reconquista como ocurrió en 1812. Entre tanto, Santander tendría que ocuparse de buscar recursos para la campaña libertadora. En ese momento la confederación estaba empobrecida por la guerra y conseguir los recursos para financiarla no era una tarea fácil. Pero para Bolívar representaba una gran dificultad mantener a sus hombres y no hallaba en Santander el apoyo que esperaba. Desde entonces empezaron a distanciarse. Además de las tensiones que causaba el sostenimiento de la campaña independentista, la ideología también dividió a los próceres de la patria.

Santander concebía una nación federalista, en la que el presidente y los militares tuvieran límites de su poderío. Su pensamiento se resume en la frase que acompaña la sede del Congreso de la República de Colombia: Las armas os han dado la independencia, las leyes os darán la libertad. Bolívar en cambio tenía la idea de una gran nación organizada desde el centro. El poder estaría al mando de un presidente vitalicio: «El presidente de la República viene a ser en nuestra constitución, como el sol que, firme en su centro, da vida al universo. Esta suprema autoridad debe ser perpetua; porque en los sistemas sin jerarquías, se necesita más que en otros, un punto fijo alrededor del cual giren los magistrados y los ciudadanos, los hombres y las cosas».

La dictadura en ese entonces parecía la única forma de sostener a la Nación. En sus últimas horas de vida Bolívar le escribió a Rafael Urdaneta: «El no habernos arreglado con Santander nos ha perjudicado a todos». Al final de cuentas su sueño era el mismo: la libertad.

La imagen del General ha estado presente en nuestros billetes desde tiempos en los que un peso tenía su valor.

Mayo 6 de 1939: Aniversario de Rubén Darío Salcedo

Sí. Hoy está de cumpleaños el Maestro Rubén Darío Salcedo. El Rey del Pasebol.

Ya viene el 20 de enero/ la fiesta de Sincelejo/ los palcos engalanados/ la gente espera el ganado/ esta sí es la fiesta buena/ la fiesta en corraleja. Les suena? Una composición que cuenta con más de 110 versiones en cuatro idiomas, un porro que es himno en la capital de Sucre.

Una mañana de 1963 caminó hasta donde los campesinos armaban la corraleja en Sincelejo. Ver hacer los amarres con bejucos a esos obreros que tomaban ñeque y cantaban vaquerías, lo inspiró. Se imaginó los palcos llenos de personas que año tras año participaban de las tradicionales fiestas y se fue a su casa a buscar la guitarra para darle vida a Fiesta en corraleja. «Nadie le paró bolas al tema, que se escuchó inicialmente en festivales pueblerinos de la sabana. Tiempo después le ofrecí la composición a Alfredo Gutiérrez y le pedí que la cantara. Mira, Boca’e moyo, me dijo, eso se escucha mejor si la cantas tú. Vamos a grabarla y yo te acompaño con el acordeón. Así se hizo y de inmediato fue un éxito nacional. Por dos años ocupó el primer lugar en Colombia. Codiscos recibió el Disco de Oro por ventas y con el dinero obtenido hice esta casa».

Nació no en Morroa, Sucre, como muchos creen, sino en Ocaña, donde su madre llegó para ayudar a una hermana que estaba a punto de morirse. «Pero a los 2 meses ya estaba en Sincelejo recibiendo el nombre de Rubén Darío, a pedido de mi padre, como homenaje a su poeta preferido». Allí creció rodeado de paisajes, tradiciones, música y poesía, entorno que ha dejado en sus composiciones. Era un hogar formado por un ama de casa y artesana de hamacas que su padre vendía junto con sombreros vueltiaos en el mercado de Sincelejo. Ahí, para atraer la atención de los compradores, tocaba la dulzaina. Su papá le compró una bicicleta cuando cumplió 9 años, porque su mamá quería para él una diversión que no fuera la música. Ella repetía a cada rato: «Este pelao va aprender a tomar ron». Pero Rubén Darío cambió la bicicleta por un acordeón y la música se apoderó de él. Componía y cantaba, aunque era muy joven; pero nadie lo grababa: «Hasta que le entregué un paseo sabanero a mi compadre acordeonero Julio de la Ossa a mediados de los 60, y le gustó tanto que lo grabó». Fue La colegiala, inspirado en el amor de una vecina. La noticia se regó. Un día alguien le dijo que Alfredo Gutiérrez lo esperaba en su casa. Fue, y al ver que había muchos compositores quiso irse. «Dos amigos a los empujones me metieron a la casa, pero en vez de llevarme a donde Alfredo Gutiérrez y Álvaro Jaramillo, de Sonolux, que atendían a los aspirantes, me metieron a la cocina». Ahí expuso su música, y a los dos días Alfredo Gutiérrez se lo llevó a Medellín, le firmó un contrato y lo puso a cantar boleros con el grupo Alfredo Gutiérrez y sus Estrellas.

Considera el pasebol como un híbrido entre el paseo vallenato y el bolero, él sostiene que es de su autoría y que no lo patentó «porque los ritmos no se registran». Lo cierto es que él lo popularizó con Alfredo Gutiérrez. Tanto que se le conoce como El rey de pasebol. Pero su repertorio es variado y es autor de más de 400 canciones. Compuso cumbias, merengues, rancheras, porros, paseos. Lee a los grandes poetas, como Neruda y García Lorca, y escucha a Pavarotti. Vive sin lujos porque las regalías de Sayco, según dice, son pocos pesos mensuales: «Desafortunadamente a Sayco llegaron una partida de pícaros que se han robado el erario de nuestra entidad y no recibimos nada. Yo propuse crear una nueva y arrancar de cero, pero con gente honesta. Mi propuesta no tuvo eco». Se las ingenió para buscar una forma de nuevos recursos: vender sus composiciones a amigos que él sabía que le gustaban la música pero que no tenían el talento para componer: «Nunca me pagaron y decidí no continuar de idiota útil». Pero aun así, se considera un hombre «sin plata, pero feliz».

Sus valiosos aportes a nuestra cultura musical lo han hecho acreedor de varios reconocimientos. En el 1997 fue declarado Rey Vitalicio del Festival Vallenato y en el  2009 fue homenajeado por el Ministerio de Cultura. Una vida y obra digna de ser conocida y exaltada!

Mayo 6 de 1952: Muere María Montessori

Murió una italiana genial que diseñó un revolucionario sistema didáctico para ayudar a los niños recluidos en manicomios, encerrados en reformatorios, a los más pobres y desfavorecidos. Tenía 28 años cuando empezó a visitar el manicomio de Roma y contempló horrorizada cómo a los pequeños internados en esa institución se les daba un trato inhumano, eran considerados prácticamente animales. De hecho, algunos romanos iban allí a tirarles comida como a los animales del zoológico. Abandonados a su suerte, esos niños que entonces eran denominados retrasados, deficientes o sencillamente idiotas, eran considerados incurables. «La Montessori», como pronto comenzaron a llamarla los italianos, decidió que aquello era intolerable y se puso manos a la obra. Fue en 1907 cuando abrió en San Lorenzo, entonces uno de los barrios más pobres de Roma, su primera escuela: La Casa de los Niños.

María Montessori llegó a la conclusión de que la educación debía ser una técnica de amor y de respeto. «El niño es una fuente de amor: cuando se le toca, se toca el amor. A los pequeños no hay que acosarles, obligarles ni dirigirles. Ni premiarlos ni castigarlos, ni siquiera corregirlos. Hay que respetarlos y no interferir, dejarlos libres en un ambiente en el que todo, espacio, muebles, objetos, esté a su medida». Fue ella quien explicó que el niño es una criatura con un cerebro potentísimo, capaz de concentrarse con fuerza e incluso de autoeducarse, siempre y cuando desde el principio se le respete y se le deje trabajar, tanto en la familia como en la escuela, según su propio ritmo. «El niño es el maestro» es una de sus famosas frases.

Hoy, paradójicamente, de su método sacan provecho sobre todo las familias que pueden pagar los elevados costos de las 65.000 escuelas montessori que se cuentan en el mundo para recibir una educación exclusiva y, sin ninguna duda, mucho mejor que la tradicional. Los creadores de Amazon, Google y Wikipedia, todos ellos hoy millonarios, estudiaron en colegios que siguen el método montessori. (Bien por ellos, por qué criticarlos?).

Sin embargo, la idea de María Montessori no era esa ni mucho menos, y, sin duda es una paradoja pero de la que ella no es para nada responsable. También hay que decir que en países en vías de desarrollo se emplea el método Montessori para ayudar por ejemplo a los niños que han vivido guerras. Sigue habiendo mucha gente que continúa aplicando su método para ayudar a niños en dificultad.

En su vida privada, tuvo la osadía de mantener en su época una relación de amor libre con un colega, Giuseppe Montesano. Quedó embarazada y se negó a casarse para guardar las apariencias. Además fue la tercera mujer en Roma en licenciarse en Medicina y Psiquiatría.

Soñaba con ver implantado su método pedagógico en las escuelas de su país y en 1923 comienzan una extraña colaboración que dura diez años con Mussolini. Hasta que, profundamente decepcionada al ver que Mussolini no había cumplido sus promesas de transformar las escuelas italianas según su método pedagógico, decide romper cualquier relación con él. Pero esa mancha en su biografía le pasará factura: fue tres veces nominada al premio Nobel de la Paz, pero no lo ganó nunca. Con toda probabilidad, por su relación ingenua con Mussolini. Se le señala por eso, pero hay que analizar las cosas en el contexto histórico, cosa que la Academia nunca hizo. (Pero lo otorga a quienes, por ejemplo, se han relacionado con terroristas).

Sigmund Freud descubrió el inconsciente, Albert Einstein la relatividad y María Montessori, al niño.

Mayo 6 de 1961: Aniversario George Clooney

Hoy llega al sexto piso una de las celebridades que ha alzado la voz contra la injusticia racial, asegurando que: «Esta es nuestra pandemia, nos infecta a todos, y en 400 años todavía tenemos que encontrar una vacuna».

Dijo en una entrevista que le encantaría ver a su esposa como presidenta de los Estados Unidos: «Bueno, hay leyes que se necesitan para ser presidente estadounidense, pero en un mundo perfecto: Amal presidente!, sería un mundo perfecto si ella se hiciera cargo de la Casa Blanca, y yo sería un feliz primer caballero. El mundo sería mejor si fuera administrado por Amal y las Amals del mundo. Ciertamente sería más pacífico. Quisiera una presidenta, quizás en el futuro. Tenemos una vicepresidenta y eso es alentador»

Sobre el 2020 no se queja, habló sobre sus aficiones en estos nuevos tiempos, de cómo ha ayudado en casa y aseguró que no es un problema hacer las tareas del hogar: «Una vez fui pobre, gran parte de mi vida viví en un apartamento de una habitación, y lavé y limpié todo. Pasó un tiempo, y de la nada pasé a tener mucha ropa que lavar y mucho piso que limpiar, sin mencionar los platos. Pensé más en mi madre y tuve un mayor respeto por ella. No tuvo ayuda y tuvo dos hijos cuando tenía 19 años. Les cuento lo que empecé como hobby al inicio de la pandemia: dos o tres lavadoras al día, platos todo el día, porque estos niños son descuidados. Y al parecer, tenemos que lavar a nuestros hijos de vez en cuando. También le corté el pelo a mi hijo, y corté el mío, pero no el de mi hija. Si lo hiciera, tendría problemas. Mi hija se ve hermosa con su pelo largo. Mi esposa me mataría si lo tocara».

Si tuviera la oportunidad de dirigir una película sobre el año en que el mundo tuvo que aprender a lidiar con la pandemia, dice que no olvidaría agregar todas las cosas que tuvimos que soportar: «COVID obviamente, pero ciertamente George Floyd y Breonna Taylor, y todas esas cosas que habrían sido la historia principal del año si no hubiera sido porque el COVID se interpuso en el camino. Una película sobre la idea de que todos estos son problemas creados por el hombre y que el hombre puede solucionar. Estas correcciones permitirían que la película tenga un final feliz. Siento que ahora estamos apuntando en la dirección correcta. Hay mucha esperanza con la vacuna. Hay mucha esperanza con lo que podemos hacer y cómo podemos seguir adelante, ya que el hombre puede arreglar algunas de las cosas que él mismo destruyó. Así que esa sería la película».

George Clooney ha sido considerado varias veces como uno de los hombres más bellos del mundo, Persona y Hombre del Año, el hombre más sexy del mundo, capaz de despertar suspiros donde quiera que vaya o su nombre resuene, pero para mí, es un actor sobrevalorado. Y no parecía estar muy emocionado con el 6 de mayo: «Será como cualquier otro, no me entusiasma, ya que completar otro año simplemente es mejor que estar muerto».

Que los cumpla Feliz!

Mayo 6 del 2013: Muere José Luis Paniagua

La muerte de José Luis Paniagua a sólo 53 años, sumió en el pesar y el luto a la televisión y a Colombia, donde se había radicado desde hacía muchos años. En 1981 viajó a Italia a estudiar actuación y dirección, y en 1985 llegó al país para pasar unas vacaciones y se quedó definitivamente. Colombia fue su país adoptivo, el que lo vio crecer artísticamente en medio del cariño de los televidentes.

«La vida es un hecho para celebrar», decía, pero la perdió demasiado joven, y perdimos a un buen actor y ser humano. «Papá mío … amor de mi vida. Ten un buen viaje. Hoy y siempre vas a ser el amor de mi vida. Qué suerte haberte tenido. Te amo», escribió su hija Juliana aquel triste día.

Mayo 5 de 1821: Muere Napoleón

Un Napoleón moría, un Napoleón se hacía eterno. Porque para entonces la leyenda de «Nabulione» ya había sobrepasado todas las fronteras. Nacido en una isla y exiliado en otras dos, la carrera política y militar del general corso nunca entendió de fronteras. Aunque siempre aseguró que su único deseo era gobernar en paz su país, una ambición desmedida acabó suponiendo su ruina. A medida que se fueron acumulando sus logros militares fue creciendo en él la sensación de estar llamado a protagonizar las más grandes gestas.

Cuando fue coronado emperador, no dejó que le colocaran la corona sino que él mismo la cogió y se la puso. Sufría de  ailurofobia y tenía una rarísima fobia a que las puertas estuvieran abiertas. Según se cuenta, se vestía ocasionalmente con atuendos de gente pobre y salía a caminar por las calles. Deambulaba por París, visitaba tiendas y hablaba con personas de la calle para ver si lo reconocían y medir su popularidad. Estaba convencido de que su amada Joséphine le traía buena suerte y en cada batalla a la que iba llevaba un pequeño retrato colgado. Sus soldados lo llamaban el Pequeño Cabo, los británicos Boney, y las monarquías europeas se referían a él como el tirano Bonaparte, el Ogro de Ajaccio, el Usurpador Universal.

El fin de su brillante carrera militar se escribió en Waterloo. Tras Waterloo no estaba claro que el futuro del emperador fuera a ser tan drástico. Tenía otras opciones. Entre ellas hacer como su hermano e irse de rico plantador a EE. UU. Pero tras la derrota, hizo algo totalmente ajeno a su carácter: dudar. De haber ido a América, se lamentó más tarde: «Podría haber fundado allí un estado». No tenía ninguna ruta preparada, y finalmente, antes que caer en manos de los Borbones o los prusianos, que lo habrían ejecutado, se entregó a los ingleses, confiando algo inocentemente en que le darían asilo. Pero para las potencias europeas, Napoleón era su mayor amenaza, y decidieron enviarlo: «A lo más alejado de cualquier sitio que cualquier otro sitio del mundo donde pronto será olvidado».

El destino quiso que el hombre que había dominado el mundo acabara confinado en un miserable e insalubre lugar, despiadadamente pequeño para su genio. Elba había sido una isla muy pequeña para él, y más pequeña era Santa Elena. Horrorizado, dijo que antes muerto que en Santa Helena, que el clima de la isla le mataría en tres meses. No consiguió nada, ni amenazando con el suicidio. Llegaron por fin a su destino, y dijo: «No es un sitio atractivo. Hubiera hecho mejor quedándome en Egipto». «Una isla vergonzosa que mide solo 17 kilómetros de ancho por 10 de largo, llueve mucho y hay niebla 300 días al año». En 1815 vivían allí mil europeos, 218 esclavos negros, 489 chinos y 116 malayos. El lugar estaba lleno de plagas y aquel ambiente apagó poco a poco el fuego vital e intelectual del hombre que había hecho arder en todos los sentidos a Europa. Estaba sujeto a reglas muy estrictas. Todo el correo era censurado, las visitas controladas, tenía prohibido circular libremente por la isla y solo podía hablar con los habitantes en presencia de un oficial británico. Desde el principio protestó ante sus captores y varias veces se saltó las normas.

Napoleón lo probó todo ahí: se impuso un rígido horario, hizo deporte, leyó mucho, dictó sus memorias, plantó un jardín, ordenó su biblioteca, pasó revista una y otra vez a sus sesenta batallas, sobre todo Waterloo (habría hecho esto, habría hecho lo otro), incluso tuvo una aventura erótica. Hasta hizo testamento, que ya es entretenimiento. Pero si eres un hombre con la imaginación activa de Napoleón, no hay nada peor que el que te limiten. Lógicamente, nada de aquello podía satisfacer a quien había cabalgado libremente por el desierto de un Egipto que había sometido a su autoridad, que había luchado en Tierra Santa y soñado con llevar sus conquistas hacia la India, que había entrado victorioso en la gran ciudad de Moscú, y que había llegado a tener en sus manos uno de los imperios más poderosos de los últimos siglos. Cómo soportar verse recluido en una isla. Curiosamente parece no haber pensado nunca en escapar como lo hizo de Elba. Es verdad que la isla estaba muy trasmano para una operación de rescate, y que algunos planes de fuga que se le presentaron no eran dignos de su imperial persona. Al parecer se le propuso meterse en una canasta de ropa sucia o en un tonel de cerveza. Él dejó muy claro que, por dignidad, no se disfrazaría para huir. Había decidido que el martirio final en confinamiento era un buen broche a su leyenda. A finales de 1816 empezó a mostrar signos preocupantes de decaimiento y depresión. La isla ya había dado de sí todo lo que podía para su ávida personalidad y su vida se volvió taciturna. Pasaba mucho rato en la cama, él que antes apenas necesitaba dormir; cuentan que comparaba su sufrimiento con la pasión de Cristo y suspiraba porque un maremoto se tragara la isla.

En 1818 llegó la enfermedad que lo mató. Sus últimas palabras fueron «France, l’armée, Joséphine» o, según la versión de las memorias de Santa Elena, «Tête, armée, Mon Dieu». Tras un velatorio, fue enterrado con honores militares correspondientes a un general británico en lo que él llamaba Valle de los geranios y donde solía pasear. Actualmente se llama Valle de la tumba de Napoleón y pertenece a Francia. Napoleón no quería que su cuerpo permaneciera en Santa Helena, pero de tener que ser así, dispuso que su tumba estuviera allí. En 1840 fue exhumado y sus restos los llevaron a Francia. En París recibió un funeral multitudinario y grandioso, pasando su ataúd bajo el Arco del Triunfo. Llamar Napoleón a un cerdo es ilegal en Francia. Reposa, como todo el mundo sabe, en los Inválidos, pero la tumba de Santa Helena sigue siendo un lugar turístico.

Mayo 5 de 1912: Muere Rafael Pombo

Muere el ingeniero y matemático que escribía poesías. En los recuerdos de infancia de todos los colombianos habita el recuerdo de un renacuajo muy tieso y muy majo, de una pobre viejecita sin nada que comer y de un niño tan bobito que pescaba en un balde.

Aunque estudió Matemáticas y quizá fue uno de los primeros ingenieros graduados en Colombia, pudieron más las poesías, los poemas, el latín, el griego y el romanticismo en la vida de Rafael Pombo. Y aunque se le conoce por su obra poética infantil también escribió poesías llenas de amor y espiritualidad como «Preludio de primavera». Fueron más de 670 poemas y 200 traducciones lo que dejó para la posteridad este bogotano, nacido en una familia aristocrática.

Hijo del político, militar y diplomático cartagenero don Lino de Pombo O´Donnell y de la distinguida dama payanesa Ana Rebolledo. Inicialmente en Popayán, su familia tuvo que mudarse a Bogotá pocos antes de su nacimiento cuando don Lino fue nombrado secretario de Relaciones Interiores y Exteriores. Como su madre ya tenía cumplidos los 9 meses de embarazo, no pasó mucho desde su llegada a Bogotá para que diera a luz a su primogénito. Desde entonces, como era la tradición, Ana le enseñó a su pequeño los principios del saber, a leer, y escribir, para que posteriormente, a los once años, el joven ingresara en el Seminario. Parece ser que la pasión por la poesía estuvo presente en la vida de Rafael desde esa temprana edad, cuando ya copiaba sus versos y traducciones en un cuadernillo que tituló «Panteón literario».

Fue en el Seminario donde estudió latín, del cual adquirió un conocimiento tan extenso que se volvió un hábil traductor de las obras clásicas de poetas grecolatinos. Más adelante en su vida entró al Colegio Mayor de Nuestra Señora del Rosario, donde estudió humanidades. Dos años después, recibió el grado en matemáticas e ingeniería en el Colegio Militar, fundado recientemente, y, aunque nunca ejerció formalmente como ingeniero, se sabe que realizó algunos estudios para el mejoramiento urbano de Bogotá.

Fue cónsul de Colombia en los Estados Unidos y allí trabajó además como traductor y mantuvo tertulias con grandes poetas. Fue entonces que comenzó a interesarse y a escribir cuentos infantiles. Se dice que fue el único poeta que ha vivido de su obra. En 1905 fue galardonado por su trabajo en una imponente ceremonia en el teatro Colón de Bogotá condecorado como el mejor poeta de Colombia. En 1912 reemplazó a Manuel María Mallarino como miembro de la Academia Colombiana de la Lengua, de la que fue Secretario perpetuo. La ley 88 del 16 de noviembre de 1912 honró su memoria nombrándolo Gloria de las Letras Nacionales.

Él se recluyó en su casa en Bogotá hasta que la muerte se lo llevó. Tras su muerte su habitación fue sellada y sólo casi cuatro años después fue emitida una orden por parte de un tribunal a fin de hacer los inventarios de lo que dejó, y se realizó la compilación de su obra poética. Algunos críticos de entonces salieron con la historia de que Pombo había plagiado obras de la literatura inglesa. Otros lo defendieron al considerar que la traducción también es un trabajo de coautor. Pero para la mayoría, Rafael Pombo no tenía por qué plagiar. Era inmensa su imaginación. En 1983 fue inaugurada la Fundación Casa Rafael Pombo en homenaje póstumo.

Mayo 3 de 1956: Aniversario de Beatriz Arellano

Hoy está de cumpleaños una insigne y emblemática intérprete de la música colombiana, hija de la ciudad de Guadalajara de Buga, que con su estilo ha llevado a grandes escenarios la música nacional, y en especial la del interior del país, haciendo vibrar a un público que ella ha cautivado con su particular fuerza interpretativa que la hace única en este género. Sin duda toda una institución de la música colombiana que ha grabado más de 22 álbumes en sus más de 25 años de vida artística.

En 1978 grabó su primer L.P. y ha logrado mantenerse en los primeros lugares de una carrera artística sin decaer nunca: «Creo que gracias a disciplina y las ganas, querer la música demasiado. Ser artista no es tener una bonita voz, ni unos lindos ojos, ni unas lindas piernas».

Beatriz Arellano nació en una familia de artistas. Sus padres: «Una pareja  de músicos y de soñadores que hicieron teatro, cantaron zarzuela, ópera, hicieron de todo. Eran una pareja fantástica, y les gustó tanto el tema del escenario que les salió cantantico el primero, el segundo, y siguieron inventando más cantanticos, hasta que terminamos siendo 10. Una dicha, porque crecimos en ese ambiente netamente musical. Teníamos de primera mano toda la música que llegaba de Argentina, España, México, que eran los países que nutrían el repertorio colombiano, y teníamos a un Carlos Julio Ramírez, Berenice Chávez, Jaime Llano, que forjaron nuestra parte de la colombianidad.  En la casa no nos obligaban. Nos fascinaba oír la música colombiana, igual que un tango o una napolitana. Nos nutrieron de muchas vertientes, y eso hizo que ese bagaje musical que tenemos sea creativo y grande. Esas músicas nos llegaron desde niños y eso hizo que antes de que empezáramos a hablar, cantáramos. Y arrancaron los cantorcitos de Buga».

Desde muy pequeña vio en la música una manera de expresar sentimientos y emociones, pero también tradiciones, por eso se encargó de llevar por todo el país nuestro folclor. Su versatilidad la llevó a grabar también otros ritmos muy arraigados en el sentimiento colombiano, y comenzó una colección de música latinoamericana, de la cual lleva tres volúmenes dedicados a Colombia, México y Venezuela: «Luego de grabar todas las clásicas de Colombia, la gente me fue diciendo, por qué no cantas rancheras, boleros. La verdad es que toda la vida los canté pero no me atrevía a hacerlos públicos».

Por su dedicación y disciplina ha sido distinguida con las más altas condecoraciones por su aporte a la cultura y en especial al folclor. Ha sido invitada a Norte, Centro y Suramérica, ha recorrido Europa y Sudáfrica, llevando siempre como bandera nuestros inigualables ritmos, destacándose en la actualidad como la más fiel y amorosa intérprete de los aires latinoamericanos y en especial los andinos colombianos. Y reclama justamente: «La música colombiana no ha dejado de escucharse, pero no la difunden lo suficiente».

Mayo 3 de 1960

A mí me encantan las celebraciones que hace Google, y creo que hay que destacar las muchas buenas historias sobre los logros de las mujeres en cualquier campo. Cuando la historia involucra y celebra el nacimiento de una poeta alemana, pedagoga y activista del movimiento afroalemán, bueno, pues hay que compartirlo con el mundo.

Hija de un estudiante de medicina ghanés y de madre alemana, May Ayim nació en Hamburgo y se inspiró en una infancia difícil para convertirse en una figura destacada del movimiento negro alemán. Vivió en un orfanato hasta su año y medio de edad pues su madre biológica rehusó durante todo la vida cualquier contacto. Pasó luego a vivir con una familia adoptiva. Al terminar la escuela, primero estudió para ser asistente de enfermería y más adelante estudió pedagogía.

Su trabajo pionero ayudó a sentar las bases para el campo de la historia de los negros alemanes y destacó la importancia de la escritura como vehículo para la transformación social. Su tesis de 1986, «Afro-alemanes: su historia cultural y social en el contexto del cambio social», fue el primer trabajo académico sobre la historia afro-alemana desde la Edad Media hasta el presente. Además de sus publicaciones académicas, sus colecciones de poesía llevaron la lucha de los negros alemanes por la igualdad a un escenario internacional. Se defendió de la discriminación racial en conferencias y con su poesía. «Mi pluma es mi espada», era su lema.

Su viaje como autora y poeta también se cruzó con su trabajo como activista. Se asoció con otros activistas para formar la Iniciativa Schwarze Deutsche (ISD), que sirvió como una red de negros en Alemania que luchan por el auto-empoderamiento. Murió muy joven, en 1996, pero su trabajo académico y literario continúa educando e inspirando a personas de todo el mundo. En el 2010 fue nombrada en su honor la vía May Ayim Ufer en Berlín, donde vivió desde 1984.

Mayo 3 de 1970: Aniversario de “Pirry”

Hoy apaga las velitas Guillermo Prieto La Rotta, o sea “Pirry”. Una vida dedicada a la aventura. Nació en Tunja y a los 16 decidió estudiar zootecnia: «Porque mi papá quería un doctor en la casa y además era más barata que otras alternativas. Pero nunca me sentí a gusto en ese campo y en los siguientes diez años probé muchos oficios, hasta que me dieron una oportunidad en una revista. Escribía con mala ortografía, y nunca imaginé que llegaría más lejos». Pero de ahí saltó a la televisión a La Banda Francotiradores: «Yo era como el bufón de la corte, un tipo que se le medía a todo y era el centro del contenido». Pero con el tiempo quiso salirse de ese molde y arriesgarse a escribir libretos. Pero: «La presión de sacar cada semana un producto de alta calidad, y otros motivos personales, me llevaron al límite emocional. Soy inseguro por naturaleza». Sin embargo, se llenó de confianza e hizo crónicas que lo llevaron a ganar un premio Simón Bolívar y a que le dieran su propio programa. Ese espacio: «Había un equipo pequeño y se viajaba con muy bajo presupuesto, pero se convirtió en una fuente de especiales sobre diferentes tópicos del mundo». Así “Pirry” se convirtió en uno de los documentalistas más aclamados del país, con una nominación al Emmy, otros tres Simón Bolívar y diez TV y Novelas.

Dice que en su trabajo ha encontrado la felicidad profunda de afectar positivamente la vida de otros. Su gran legado es mostrarle al mundo que el monstruo no es el tiburón ni el cocodrilo, sino el hombre. Se apartó de la televisión para dedicarse a los canales digitales, pero piensa seguir recorriendo el mundo al menos diez años más, y grabar con su cámara para que otros, especialmente aquellos que le temen a lo desconocido, aprendan a apreciar el mundo: «Así serán más solidarios no solo con esas especies sino con los humanos, que son los primeros afectados». 

Mayo 2 de 1519: Muere Leonardo da Vinci

Muere una de las figuras más importantes del Alto Renacimiento. Se destacó como científico, matemático, ingeniero, inventor, anatomista, pintor, escultor, arquitecto, botánico, poeta y músico. También se le conoce como el precursor de la aviación y la balística; alguien cuya insaciable curiosidad solo era igualada por su capacidad de invención. Uno de los más grandes pintores de todos los tiempos, y posiblemente la persona con los talentos más diversos que haya vivido.

Nacido como hijo ilegítimo de un notario y una campesina en la región de Florencia, fue educado en el estudio del reconocido pintor florentino Verrocchio, y pasó la mayor parte de su vida profesional al servicio de Ludovico Sforza, il Moro, en Milán; luego trabajó en Venecia, Roma y Bolonia, y pasó sus últimos días en Francia, en una casa que le regaló el rey Francisco I.

Aquí una lista de datos interesantes sobre Leonardo da Vinci:

La Última Cena le tomó tres años. Pero fue una orden del duque de Milán que resultó ser su encargo más complejo. Cuando se le pidió que creara una estatua de 6 metros de altura del padre del duque a caballo, Leonardo trabajó durante casi 17 años en los planos y el modelo. Antes de que pudiera completarse, las fuerzas francesas invadieron Milán en 1499 y dispararon contra la escultura de arcilla. Su mayor proyecto, El caballo de Leonardo, fue destruído.

Los cientos de páginas de cuadernos que han sobrevivido al tiempo revelan que escribía invirtiendo su letra para que solo fuera legible si la página se veía desde un espejo. Algunas sospechan que intentaba ocultar algo, lo cierto es que, al ser zurdo, así podía evitar manchar o borrar la tinta con las manos.

Fue un músico talentoso. Cantaba y tocaba la lira y la flauta en las reuniones de la nobleza y en los palacios de sus patrocinadores. Entre sus manuscritos también hay algunas de sus composiciones musicales. Según sus propios escritos, consideraba que la música está estrechamente relacionada con las artes visuales y lo inspiraba en su arte.

La descripción de Leonardo de Jesús y sus apóstoles poco después de que dijera: uno de ustedes me traicionará, su obra más conocida después de la Mona Lisa, sobrevivió milagrosamente unas cuantas veces. Ya famosa en ese momento, con europeos fascinados intentando copiarla, el hecho de que todavía esté expuesta en el Convento de Santa Maria delle Grazie en Milán es un milagro. Cuando Francia invadió la ciudad en 1499, soldados franceses le lanzaron piedras, y en 1943, cuando los aliados bombardearon la ciudad, la iglesia sufrió graves daños, pero la Última Cena salió ilesa.

Aunque Leonardo fue prolífico, nunca tuvo prisa por terminar sus proyectos. Muchas pinturas y otras obras fueron abandonadas o consideradas incompletas, incluida la Mona Lisa. Cuando Leonardo murió la pintura parece haber sido terminada por su asistente y amigo cercano, Salai, del que se dice además que pintó una versión desnuda llamada Monna Vanna. Para Leonardo no había barrera entre la ciencia y el arte. Sus estudios de anatomía humana lo ayudaron en su arte. Su interés por replicar los tendones y la musculatura del cuerpo lo llevó a realizar disecciones.

Italia en la Edad Media no era particularmente progresista. Después de que Leonardo mostrara su aptitud para el arte desde muy joven, sus aspiraciones se vieron frenadas temporalmente cuando él y otros jóvenes fueron acusados anónimamente por ​​el delito de sodomía con un prostituto de 17 años, que podría haberlo llevado a su ejecución. Dos meses después fue puesto en libertad por falta de pruebas, pero desapareció durante dos años.

Leonardo realizó también importantes estudios sobre árboles. Hizo una observación interesante. Concluyó que el grosor total de las ramas de un árbol es igual al grosor total del tronco del árbol. Según parece, los árboles de muchas especies obedecen esta regla. Fue también un defensor de los animales. Aseguran que solía comprar animales enjaulados en el mercado solo para liberarlos, y afirman que con Maquiavelo ideó un plan para cambiar la dirección del Arno en Pisa, pero fracasaron.

Vivió al mismo tiempo que Miguel Ángel y los relatos históricos los describen como rivales artísticos. No se llevaban bien. Miguel Ángel insultó a Leonardo por su incapacidad para completar ciertas obras, y Leonardo criticó a su oponente por usar una musculatura exagerada en sus esculturas.

A pesar de ser uno de los pintores más famosos de la historia solo se conocen unas 20 pinturas suyas, en parte debido a su experimentación a menudo desastrosa con nuevas técnicas, y a su manía de aplazar sus proyectos. Y sus últimas palabras fueron extremadamente humildes: «He ofendido a Dios y a la humanidad haciendo muy poco de mi vida».

Mayo 2 del 2016: Muere Fernando Soto Aparicio

Murió en Bogotá una de las plumas más prolíficas de Colombia, considerado como uno de los más grandes literatos colombianos. El autor que se rebeló ante la injusticia social y dedicó gran parte de su extensa obra narrativa y poética a reflexionar sobre los conflictos históricos y sociales del país.

Fernando Soto Aparicio nació en Socha, Boyacá, en 1933, y al mes de nacer su familia se trasladó a Santa Rosa de Viterbo donde fue bautizado y donde pasó su infancia. Pero sus afectos se repartieron entre los dos pueblos, y decía que para resolver la situación: «La estatua me la pueden erigir en Belén, que es un lugar intermedio»

Contaba que a los nueve años prefería visitar la biblioteca de su padre que los juegos de los niños de su edad, y olvidando sus tareas escolares leía a Alejandro Dumas y a Julio Verne. De sus 83 años, 70 los dedicó al mundo de las letras pues en el momento entrar en la adolescencia escribió dos novelas influenciadas por sus clásicos favoritos, que desafortunadamente jamás terminó, pero entendió que cumplieron su labor, como testimonio de su salto al mundo de la literatura. Así transcurrió su niñez hasta la publicación de su primer escrito, Himno a la patria, en el suplemento literario de El Siglo en 1950.

Prácticamente desde los dieciséis años se dedicó profesionalmente a la escritura. A esa edad lee Los Miserables, de Víctor Hugo, que decía que era uno de los libros que más asombro le había causado y que fue la obra que lo impulsó a escribir. Recordaba que en Francia encontró una vieja edición y aprendió francés sólo para poder leerlo en el idioma original. Además leía a Stendhal, Flaubert y Balzac.

Después de vivir fuera del país en misión diplomática en Austria, en 1960 se radicó en Bogotá, donde fue profesor de la Universidad Militar Nueva Granada casi toda su vida. Además de su gran producción literaria publicó artículos de opinión en los principales periódicos y escribió numerosos guiones para la televisión.

Dramatizados, series y telenovelas también fueron escritas por él. Más de  cinco mil libretos hizo  en su vida, muchos firmados con diferentes seudónimos. Su propósito fue educar al pueblo usando el lenguaje propio de la televisión. Para él: «El escritor debe pasar de la reflexión abstracta al trabajo social real. Hay que amar la vida, debemos ser capaces de construir un mundo más amable y dulce. Necesitamos una paz que nazca en el corazón de cada uno de nosotros. Para eso se necesita  solidaridad, convivencia y el deseo de construir una paz duradera».

Su extensa obra cubre los más variados géneros, aunque se centra básicamente en la narrativa y la poesía. Sus obras son una denuncia implícita de la violencia, la injusticia y las desigualdades, lo cual se ve reflejado con especial crudeza en La rebelión de las ratas, en la que retrata la dura vida de las clases más pobres y supuso su consagración como escritor. Apenas con 29 años ya la fama le sonreía. A partir de ese momento su carrera vuela como un meteoro, sus obras se propagan en las librerías y se vuelven materia obligada en los colegios. Se decía por aquellos días que era uno de los dos o tres escritores que podían vivir de sus libros.

Aunque es más conocido como novelista que como poeta, a propósito de la poesía decía: «La poesía debe cumplir una función social; el poeta debe guardar fidelidad a las normas clásicas pero vertiendo en ellas tanto su angustia personal como las inquietudes, zozobras y problemas del momento en que vive». Y las mujeres siempre fueron claves en su narrativa: «Es un ser complejo por excelencia, fue el ser que mejor le quedó a Dios en ese proceso de armar el mundo, y con la fortuna de tener la oportunidad de que las mujeres me cuenten sus sueños, ilusiones, pero también sus penas, dolores y pecados, son mi mayor fuente de inspiración».

Poco antes de morir dijo en una entrevista: «Sé que me queda poco tiempo, pero cuando mi voz se calle, mis libros gritarán por ella». Llevaba varios años retirado del mundo de las letras y académico, y cuentan que se quejaba porque ya no podía escribir. Desde que le diagnosticaron la enfermedad decidió vivir con su hija, y resignado decía: «La muerte es irremediable, pero el dolor que hay que vivir es injusto».

Hoy y siempre Fernando Soto Aparicio merece un gran homenaje!

Mayo 1 de 1994: Muere Ayrton Senna

Hoy y siempre recordamos a un gran piloto, pero sobretodo a un gran ser humano: «Soy un privilegiado, siempre he tenido una vida muy hermosa. Pero todo lo que he obtenido de la vida lo he ganado con el compromiso y el deseo muy fuerte de alcanzar mis metas, de ganar, en la vida, no como piloto. Quiero decirte que seas quien seas en la vida, ya sea que estés en el nivel más bajo, o en el nivel más alto, debes tener una gran fuerza y ​​una gran determinación y debes enfrentar cualquier cosa con gran amor y fe en Dios y un día alcanzarás el sus metas y tendrá éxito». «Los ricos no pueden vivir en una isla rodeada por un océano de pobreza. Todos respiramos el mismo aire. Debemos darles a todos una oportunidad».

Paulistano del barrio de Santana, nació con la velocidad corriendo por sus venas. Animado por su padre, a los 4 años ya tenía una habilidad increíble con el Kart. A partir de ahí la pasión por el ruido del motor acelerado solo aumentó, y a los 13 años estaba compitiendo oficialmente. Su desarrollo como piloto proviene de mucha inspiración del entonces niño, que pasó innumerables horas de su día entrenando. En 1981 comenzó a competir en Europa y fue durante este período que decidió usar el apellido de su madre. Estaba en plena forma y en un ascenso impresionante, absolutamente nada lo desenfocaba. Hasta ese fatídico 1 de mayo que quisiéramos que no hubiera llegado nunca.

La muerte de Ayrton Senna representó no sólo una conmoción para el mundo automovilístico, sino también para toda la sociedad brasileña que veía en el paulista la grandeza de su pueblo. Pero la desgracia lo convocó en la mañana del 1 de mayo de 1994 cuando en la vuelta número siete, su Williams FW16 no logró tomar correctamente la curva de Tamburello durante el Gran Premio de San Marino. Todos creyeron que había sido simplemente un choque. Sin embargo, era el final del más grande piloto de Fórmula Uno de todos los tiempos. Tenía solo 34 años.

Wiliam José Tomaz, un brasilero aficionado a la F1 desde pequeño, el día del funeral escribió un poema, pero no lo publicó: «Mi poema fue envejecido en barricas, como los vinos. Fue escrito cuando Roberto Cabrini nos dio la noticia que nunca quisimos recibir: el piloto Ayrton Senna está muerto. Fui a la oficina de mi casa y me senté a la mesa. Lloré mucho esa noche y decidí dejarlo en el papel. Y surgió ese poema. Pero nunca tuve la fuerza de divulgarlo. Ahora decidí hacerlo».

AYRTON SENNA

Aquele menino cresceu. Cresceu correndo.

Correndo, e crescendo. Crescendo, e correndo.

Aquele menino e sua baratinha branca

Aquele menino e sua baratinha preta e dourada

Aquele menino e sua baratinha amarela

Aquele menino e sua baratinha vermelha e branca

Aquele menino e sua baratinha azul.

Aquele menino virou campeão.

Derrotando tudo, e derrotando todos.

Se impondo sobre tudo, e se impondo sobre todos.

Corria na frente de tudo.

E, chegava na frente de todos.

Aquele menino veloz!. Aquele menino míssil!

Aquele menino ventania!. Aquele menino torpedo!

Aquele menino, não se entregava.

Aquele menino, só vitórias alcançava.

Aquele menino passou por nós,

superando barreiras.

Aquele menino

Anjo-patriota, e sua bandeira.

Aquele menino tinha a garra de um leão

Aquele menino virou Campeão.

Campeão para sempre. Campeão!

Aquele menino foi morar no céu.

Foi morar com os campeões.

Mais que um vencedor!

Um legítimo Campeão.

Aquele menino viajou para o céu.

Foi num carro azul e branco.

Branco, porque era a paz.

Azul, porque era o céu.

O céu de Jesus, (a paz que satisfaz)

Aquele menino saiu de cena e virou uma lenda.

Aquele menino, agora é uma estrela.

Senna-estrela. Estrela-Senna

Para sempre, Ayrton Senna!

Acerca Claudia De la Pava Abad