Efemérides (Septiembre): Camilo Sesto, Marc Anthony…

Septiembre 16 de 1946-Septiembre 8 del 2019: Camilo Sesto, dos fechas de una vida

Con fotografías, canciones, flores y discos de vinilo, millones de fans recuerdan hoy a Camilo Blanes Cortéz, una de las voces insignia de España, una de las figuras más populares de la década de los 70 en España y en hispanoamérica, que además consiguió estar en posiciones privilegiadas en Alemania y en Inglaterra. Con más de 40 producciones discográficas, y uno de los intérpretes con mayor cantidad de números 1, (52 en total), se estima que sus ventas superan los 185 millones de copias. Superestrella de principios de los 70, pocos artistas españoles lograron en cinco décadas el mismo éxito que Camilo Sesto.

Cantautor, pintor, poeta, compuso grandes canciones, que no solamente son hermosas por su lírica, sino por su melodía y altos registros de voz. Fue el primer cantante español en lograr un disco de platino, superando a otros paisanos suyos grandes de la canción, como Julio Iglesias, Raphael, José Luis Perales o Nino Bravo; escribió canciones para Miguel Bosé, Ángela Carrasco, José José, Lucía Méndez y Manolo Otero, y en 1975 protagonizó el papel de Jesús en la ópera rock Jesucristo Superstar 3 que él mismo financió en su adaptación al español.

Galardonado en el 2011 con la medalla Máximo Orgullo Hispano, a un cierto punto decidió desaparecer de los escenarios para dedicar tiempo a su hijo: «Hasta en la raya de mi mano está escrito que iba a tener un hijo. Y lo tengo». Así inició una de las exclusivas más espectaculares del momento en España. Todo comenzó en mayo de 1984 cuando de un avión procedente de México desembarcaron en el aeropuerto de Barajas, Lourdes Ornellas, una joven mexicana, y su hijo, un bebé de pocos meses. A esa misma hora, en su chalé de Torrelodones, uno de los considerados como solteros de oro esperaba impaciente la llegada del que sería su único hijo: «Quiero aclarar dos cosas: que el niño ha sido intencionado, es decir, querido. Querido por mí y por su madre. Es fruto del amor y de mi intención de ser padre. Y, segundo, que no me pienso casar. Está todo muy aclarado y muy explicado entre la madre de mi hijo y yo. Ya tengo mi hijo, y no quiero ocultarlo ni un segundo, no quiero ocultar lo que es mi felicidad». Desafortunadamente, poco a poco la relación se fue enfriando, tanto que acabaron totalmente distanciados.

A su muerte, la localidad de Alcoy, en Alicante, de la que era oriundo, recibió una donación de más de 800 piezas y objetos personales, entre las que destacan su piano y sus discos de oro y platino, para crear un museo en su memoria, deseo que dejó expreso en su testamento. Pero el museo tendrá que esperar, puesto que la crisis del Covid tiene paralizado el proyecto.

Camilo Sesto dejó un inmenso legado. Un abanico extenso de hermosas canciones que están dedicadas al amor y al desamor. En la actualidad ya no hay casi artistas como él, y por eso dolió su muerte.

Septiembre 16 de 1968: Nace Marc Anthony

Nació el primer salsero en tocar en la Casa Blanca, el que tiene un gatico que se llama Trucutu, al que las matemáticas nunca le gustaron, le encanta pilotear helicópteros y no le gusta cocinar. En su círculo más cercano es apodado como flaco. En concreto, mide 1.58 metros y pesa 50 kilos. Aunque nació en Nueva York, se siente puertorriqueño y siempre ha sido una persona muy arraigada a sus raíces latinas. Además cuenta que su padre se enoja si alguno de su familia habla inglés en casa.

En 1992 Marc Anthony y Sergio George estaban trabajando en el álbum debut de Marc, Otra Nota, pero su ajustado presupuesto se agotó. Afortunadamente, en ese mismo momento Africando llegaba a Nueva York con la idea de hacer un disco de salsa africanizado, y querían trabajar con el productor Sergio George. Trabajando en el mismo estudio en ambos proyectos, Sergio sacó tiempo para completar Otra Nota, que fue lanzado en 1993, y marcó el comienzo del explosivo ascenso de Marc Anthony al estrellato. Rápidamente se convirtió en el artista de salsa más vendido de todos los tiempos.

Marc Anthony es el artista abanderado por excelencia de la salsa, siendo el que ha vendido más discos de ese género. Cada vez que lanza un single, automáticamente lidera y encabeza las primeras posiciones. Se convirtió en una de las caras más perseguidas y reclamadas del mundo del corazón cuando comenzó su relación con Jennifer López. Ambos formaron una de las parejas más cool, enamorada y consolidada de todas las alfombras rojas, derrochando amor y pasión por cada sitio que pasaban, y en cada dúo musical que protagonizaban. A lo largo de su trayectoria musical, ha ganado varios Grammy y Grammy latinos, y tiene su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Contaba que de pequeño era tartamudo y prefería cantar antes que hablar en público. Ahí fue cuando nació su pasión por la música y donde descubrió que, al cantar, desaparecía su problema.

Su primer escenario fue la cocina de su casa: su padre invitaba los sábados por la noche a sus amigos a cenar y él se subía a la mesa a cantar. Su comida favorita es la tailandesa, y si no hubiera sido cantante se hubiera dedicado a ser piloto de aviones. Tiene tatuados unos en el cuello. Además de cantar se dedica a la pintura, y también es empresario. Se convirtió en el 2009 en accionista del equipo de futbol americano Los Dolphins de Miami.

Fundó una asociación para ayudar a los niños huérfanos y desfavorecidos en América Latina, Maestro Cares, que crea orfanatos totalmente equiparados para vivir los niños y recibir una educación digna como se merecen. Es un apasionado de la moda y tiene su propia línea de ropa: «una marca de calidad a bajo precio». Su color preferido para vestir es el negro; no es casualidad que va vestido igual en todos sus conciertos.

Entró en el libro Guinnes de los Records por haber hecho historia al haber vendido más discos tropicales en 3 años diferentes. Además fue el primer artista de la historia perteneciente al género de la salsa en colgar el cartel de sold out en el Madison Square Garden.

Marc Anthony este año celebró 30 años de música com Pa’lla Voy

Septiembre 16 de 1977: Muere María Callas

Nacida en 1923, una artista brillante murió solitariamente a los 53 años. Estadounidense de nacimiento pero hija de inmigrantes griegos: «Que no quede ninguna duda: la sangre en mis venas, mi carácter, mis pensamientos, son todos griegos, y esto no se puede cambiar».

Su poderosa voz de soprano y su notable expresividad dramática la llevaron a los cuatro rincones del mundo. Sin duda la prima Donna de los escenarios operísticos, pero la cantante más solitaria de todos los tiempos.

Cuentan que cuando quedó embarazada de María, su madre deseaba fervientemente un hijo, para reemplazar al que había perdido el año anterior, lo que explicará, o no, la terrible relación futura entre ellas. La relación entre los padres era también turbulenta. Cuando ella tenía 13 años la madre dejó a su marido y regresó a Grecia con Mary. Fue en Atenas donde completó sus estudios líricos.

Demostró su talento para el canto desde pequeña, y haciendo caso de los consejos de su maestra ateniense, quien consideraba a Italia el destino natural de cualquier cantante ambiciosa, hizo su debut histórico en 1947 en la Arena de Verona. Italia iba a ser su tercera patria, especialmente desde que en 1949 se casó con un adinerado industrial, Battista Meneghini, quien protegió y dirigió su carrera, funcionando como una sólida figura paterna. Ahora segura de sí misma, construiría con voluntad indomable, la Callas que quedaría para la posteridad.

Como cantante, decía que su mayor desventaja fue la miopía acentuada. En el escenario no podía ver al director ni distinguir los rasgos de los compañeros con los que actuaba. Dado que las lentes de contacto aún no se habían generalizado, se sintió obligada a refinar y agudizar su sentido del ritmo y la musicalidad.

Aunque su rostro era vivo y expresivo, nunca había sido hermosa: su nariz era grande, no tenía una piel exuberante, sus piernas eran gruesas. Solución: «Preste más atención a la ropa y la moda, el peinado y el maquillaje (especialmente al aplicar el delineador de ojos que realza sus ojos). Quería ser creíble y deseable en los papeles que cantaba, pero he sido propensa a sufrir crisis de obesidad desde la adolescencia».

En 1953 intentó una cura para adelgazar y perdió espectacularmente 35 kilos. Un fabricante de pasta aprovechó la oportunidad para anunciar que el secreto estaba en su «pasta de Panatella». Ella lo negó y demandó a la empresa. Y fue el comienzo de la vorágine de los tabloides. Era ahora una mujer glamorosa, lista para competir.

En 1958, en el apogeo de su fama, nadie lo adivinó en ese momento, pero su carrera estaba llegando a su fin: el año siguiente la pareja Meneghini aceptó la invitación de la pareja Onassis para navegar por el Mediterráneo en el Christina. Un nuevo amor, fatal, cambiaría el curso de su vida y su carrera. Con la conexión con Onassis y la separación de Meneghini su vida caería en la telenovela para acabar casi con la tragedia griega. El problema es que Onassis, supuestamente buena en la cama, despreciaba el arte (o la envidiaba). Las fiestas y los cruceros sustituyeron a la formación vocal, y las actuaciones en el escenario empezaron a escasear. Onassis la habrá obligado, o no, a abandonar.

En el punto álgido de la relación María había admitido: «No quiero cantar más. Quiero vivir como una mujer normal, con hijos, una casa y un perro». El desenlace es conocido: Onassis se casó con la viuda de Kennedy. Ella suavizó su conmoción haciendo una película y dando la vuelta al mundo en una serie de recitales. La voz era una sombra de la que se había conocido, pero el genio interpretativo continuaba. La esperanza de una felicidad ilusoria sólo se desvaneció con la muerte de Onassis. Se recluyó en su apartamento en París. Había dejado de cantar hacía mucho tiempo. En el otoño de 1977 sufrió un infarto y dejó de vivir.

Algunos afirman que hay algo de Shakespeare en la voz de Callas, y que nunca habrá otra como ella. El cine y la televisión también se ocuparon de ella, pero con resultados entre lo malo y lo mediocre. En Atenas en el 2018 se abrió un museo dedicado a ella. El nombre perdura y las grabaciones que dejó siguen siendo la fuente de ingresos de los editores. ¿Por qué? En palabras de Zeffirelli: «María Callas no era hermosa, pero se volvió hermosa. La voz era extraña e imperfecta, pero mostraba todos los colores. Fue adorada y odiada, aplaudida y pateada. Como actriz, fue incomparable para interpretar a campesina o reina, niña ingenua o mujer seductora, feliz o torturada, inocente o monstruosa. En la vida y en el canto se esforzó por ser auténtico y verdadera, ignorando las convenciones. Como mujer y artista, cultivó el glamour y ganó un lugar en la aristocracia de la fama. Luchó y triunfó, pero tuvo mala suerte. Puede que la voz no fuera hermosa, pero era más que eso, algo maravilloso. Una voz potente y dramática, pero también ágil y flexible. Una voz sin límites».

Septiembre 15 de 1254: Nace Marco Polo

Nació en Venecia «El viajero de los viajeros» Ese mercader y viajero italiano, famoso por los relatos que se le atribuyen, conocido en español como Los viajes de Marco Polo, y que, según cuentan, comenzó sus viajes a sus 17 años, pasó más de dos décadas viajando, y escribió sus memorias en prisión.

Hasta el día de hoy los historiadores están divididos entre quienes creen que la mayor parte del libro es cierta, con algunas exageraciones, y quienes dudan de todo, hasta de que hubiera llegado a China. El caso es que ciertamente confundió animales exóticos, como elefantes, monos, cocodrilos o rinocerontes, con criaturas mágicas y mitológicas. Por ejemplo, los rinocerontes fueron descritos por él como unicornios.

También existen dudas de que haya inspirado a Cristóbal Colón, de quien dicen poseía un ejemplar del libro cuidadosamente anotado.

Sin embargo, según una anécdota, en su lecho de muerte su familia pidió a Marco que corrigiera o eliminara de sus historias todo lo que no fuera cierto. Marco Polo se negó, insistiendo: «¡Solo he contado la mitad de lo que verdaderamente vi». «No importa de qué manera lo cuente, no lograría convencerlos de que lo que digo está dentro de los límites de la verdad y la razón».

La verdad es que, aunque creamos que algunas partes del libro son pura invención, no cabe duda de que Marco Polo fue uno de los grandes viajeros de la historia.

Septiembre 15 de 1872: Nace Max Factor

Nació en Lodz, Polonia, un hombre que tuvo un impacto tremendo tanto en la industria del cine como en la belleza contemporánea. Sus productos no sólo cambiaron la apariencia de Hollywood, sino que creó el glamour de las calles.

En una noche helada de febrero de 1904, un joven maquillador permanecía oculto a las afueras del palacio imperial de Rusia lejos de la mirada de los guardias del zar, a la espera de reunirse con su esposa y sus hijos que habían mantenido su identidad en secreto durante nueve años. Una vez reunida, la familia abordó un barco de vapor con destino a Estados Unidos. Diez años después se ganaría un lugar en la naciente industria del cine convirtiéndose en una de las figuras más influyentes de Hollywood. ¿Su nombre? Max Factor, naturalmente.

Cuando se menciona el nombre de Max Factor se piensa automáticamente en la línea de cosméticos. Sin embargo, hubo una persona de carne y hueso detrás de la marca de fábrica, el padre de los cosméticos al menudeo, un paso gigantesco en la revolución de la belleza. También inventó los primeros efectos de maquillaje cinematográfico: las pestañas postizas, el brillo para labios, los cosméticos a prueba de agua, las mascarillas blanqueadoras, y el maquillaje de fondo moderno.

Su clientela de estrellas incluyó a Rodolfo Valentino, Greta Garbo, Marlene Dietrich, Katharine Hapburn, John Wayne y Lucille Ball, por sólo mencionar algunas.

Max Factor fue uno de los nueve hijos en una familia que no tenía dinero para pagar la educación de sus hijos, por lo que a los ocho años entró como aprendiz de dentista-boticario y, más tarde, como fabricante de pelucas. Su talento lo condujo a convertirse en peinador, asistente de vestuario y recadero de la Gran Ópera Imperial de Rusia, donde aprendió a asistir a las divas en la aplicación de su elaborado maquillaje de escenario. Desafortunadamente también sufría el abuso constante por parte de los temperamentales cantantes, que lo culpaban cuando tenían una actuación pobre.

Ingresó al ejército ruso a los 18 años, como lo marcaba la ley. Cuatro años después fue liberado y abrió una tienda pequeña en un suburbio de Moscú, donde preparaba y vendía cremas faciales, coloretes y fragancias. Cuentan que una troupe de teatro en su ruta para actuar para la familia imperial se detuvo en la tienda a comprar algunos productos. Los Romanov quedaron tan impresionados con los resultados, que pronto lo reclutaron para prestar sus servicios en el palacio. No obstante su aparente vida glamourosa creando hermosos peinados y exquisitas apariencias para la aristocracia, era como un esclavo, al que se prohibía cualquier relación humana o a dejar la corte más de una hora a la semana.

La situación fue particularmente difícil cuando se enamoró de una joven llamada Lizzie, que frecuentaba su tienda. Cada domingo acudía a maquillar a domicilio a los familiares de su amada mientras los guardias imperiales lo esperaban afuera. La relación prosiguió, y ella consiguió un rabino que los casó en secreto. Aunque parezca increíble, el matrimonio se siguió frecuentando de manera clandestina durante casi una década, tiempo en el cual procrearon tres hijos.

Desesperado por escapar de Rusia ideó un plan: usando su propio maquillaje palideció su rostro, convenciendo a los Romanov de que se estaba muriendo, por lo que decidieron enviarlo a un centro vacacional en Europa Central. Él tenía otros proyectos. Con Lizzie y sus hijos se embarcó a San Luis Missouri, donde se encontró con su hermano y un tío, deseosos de que exhibiera sus productos en la Feria Mundial de 1904. La feria fue un éxito y la familia estaba junta, pero el desastre llegó: el socio de Max se fugó con todas las ganancias y, en 1906, poco después de haber dado luz a su cuarto hijo, Lizzie murió repentinamente. En bancarrota y con el corazón destrozado, puso una barbería. Posteriormente volvió a casarse con su vecina Jennie, con quien permaneció hasta el día de su muerte.

En su barbería escuchaba rumores fascinantes acerca de una nueva industria en California: el cine. Pensó que sus cosméticos y pelucas podían funcionar. En 1908 la familia Factor llegó a Los Ángeles y abrió una pequeña barbería y tienda de pelucas. Su idea dio resultado.

Mientras veía películas mudas pasaba horas experimentando con fórmulas en su laboratorio, y en 1914 perfeccionó su primer maquillaje para cine: una crema delgada y flexible que fue un éxito inmediato, y rápidamente los actores hicieron filas para conseguir las pócimas mágicas del genio de acento ruso. Cuando el cine enloqueció a Estados Unidos, las mujeres empezaron a idolatrar a las actrices, soñando imitar sus glamorosas apariencias. A principios de siglo las chicas decentes no utilizaban maquillaje, eso se lo dejaban a las prostitutas y actrices de vaudeville. Pero Max Factor estaba cambiando las actitudes. En 1917 introdujo su maquillaje social: «Para las estrellas y usted». Para reforzar sus ventas hizo contratos con las actrices: promovía sus películas en su negocio siempre y cuando ellas autorizaran colocar sus rostros en la tienda.

Pero los grupos conservadores no estaban dispuestos a perder la batalla contra el libertinaje e iniciaron su guerra. Los maridos se escandalizaron de que sus esposas parecieran rameras, y pidieron el divorcio. Los horrorizados padres encerraban a sus hijas en casa. Incluso el Papa lanzó su propia campaña contra «las argucias del diablo». Pero la locura del maquillaje, como la locura del cine, había llegado para quedarse, y las mujeres vieron en los cosméticos de Max Factor un símbolo de libertad sobre la represión victoriana.

En 1936, en plena cúspide de su éxito, mientras cruzaba la calle, fue atropellado por un camión. A partir de entonces su salud se deterioró y murió en 1938. Como siempre, el espectáculo continuó, y para 1950 industrias Max Factor vendía productos en 101 países y empleaba a más de 10 mil personas. Sin embargo, la compañía sucumbió a los cambios corporativos de los decenios setenta y ochenta, cambiando de manos varias veces, hasta que fue adquirida en 1991 por Procter & Gamble.

Septiembre 15 de 1890: Nace Agatha Christie

Nació La Reina del crimen, la Dama del Crimen por excelencia, una de las grandes literarias de todos los tiempos, que hizo de la novela negra su sello de identidad. Uno de los autores más vendidos del mundo. Sus obras se han traducido a más idiomas que cualquier otro escritor individual.

Recordada por los personajes de sus historias de detectives, la señorita Marple y Hercule Poirot, y porque afirmaba que «La mujer puede ser la ayuda del hombre y la inspiración de su vida, pero también puede ser su perdición. Puede arrastrarlo al nivel de la bestia».

Siempre deseosa de ver mundo, la gran dama del misterio imaginó muchas de sus mejores tramas de suspenso mientras viajaba lejos de Torquay, el pueblo costero inglés donde nació como Agatha Mary Clarissa Miller: «Los argumentos se me ocurren en los momentos más insospechados, como cuando voy caminando por la calle, o me estoy probando un sombrero en una tienda y, de repente, una idea espléndida me viene a la cabeza».

Hija de un corredor de bolsa estadounidense rico, fue criada por su madre y su hermana. Durante la Primera Guerra Mundial se entrenó y trabajó como enfermera para ayudar a tratar a los soldados heridos. Recordaba ese tiempo con gran cariño, diciendo que era uno de los trabajos más gratificantes que jamás realizó.

Se casó en 1914 con un aviador del Royal Flying Corps, Archibald Christie. El matrimonio fue un tanto turbulenta y terminó en divorcio en 1928 dos años después de que él había comenzado un romance. En 1926 Agatha Christie desapareció durante 11 días. Las circunstancias nunca fueron realmente resueltas y crearon un interés mediático generalizado. Finalmente fue descubierta en un hotel. Aunque ella nunca dijo por qué, era probablemente una combinación del shock por la muerte de su madre y el descubrimiento de la aventura de su marido. Lo superó, y en 1930 se casó por segunda vez. Según su biografía, este matrimonio fue más feliz. Comenzó a escribir después de finalizar de la Guerra, y su primer cuento fue El misterioso caso de Styles, que contó con la presencia del famoso detective Poirot. Aseguran que no tenía un gran amor por su propia creación, y Poirot parecía ser más admirado por el público que por ella, que prefiere su otra gran detective, la tranquila pero eficaz ancianita Miss Marple, personaje que se basó en la tradicional señora inglesa y en sus propias familiares. El libro se vendió bien y gustó al público de las novelas de detectives, un género que se había popularizado con las historias de Sherlock Holmes y Arthur Conan Doyle en el cambio de siglo.

Llegó a escribir más de 40 novelas, cuya trama se podrían describir casi como fórmulas. Los asesinatos son cometidos con sistemas ingeniosos, a menudo con veneno, de lo que aseguran tenía un gran conocimiento. (Trabajó en la farmacia de una Universidad de Londres, donde seguramente le vinieron ideas para algunos de sus métodos de asesinato). El suspenso, y el hecho de que los lectores sienten que tienen una buena oportunidad de resolver el crimen, sin duda añadío popularidad a sus libros, que continuaron creciendo en popularidad internacional año tras año. Su éxito la llevó a ser nombrada Dama Comandante del Imperio Británico en 1971. Murió en 1976 a los 85 años.

Septiembre 15 de 1891: Nace Emilio Sierra

Nació el autor de: Que vivan los novios, viva la alegría, que yo me iré ahora, con la negra mía, pues con mi negrita, yo seré feliz, allá en la casita donde me espera tu porvenir.

El Maestro Emilio Sierra, fue, es y seguirá siendo un importante  músico y compositor fusagasugueño. Es considerado como uno de los íconos del municipio.

Desde muy pequeño empezó a mostrar sus aptitudes musicales. Fue un precoz intérprete del piano, el tiple y la guitarra, y por su afición musical fue incluido en los coros de la iglesia de su ciudad natal, llegando a ser director. También dirigió algunos coros parroquiales en zonas vecinas.

En 1938, ya en la capital, logra realizar su sueño dorado: tener una gran orquesta. Y la organiza con la participación de 25 músicos de los mejores que para la época trabajaban en Bogotá. El éxito fue apoteósico, a tal punto que la R.C.A. Víctor envió de los Estados Unidos técnicos y equipos para grabarla. Gracias a su aporte para llevar el bambuco a un contexto bailable, en 1.940 dio a conocer Que vivan los novios, que para algunos era una rumba criolla y para otros un bambuco fiestero. De todas maneras fue recibida como una verdadera revolución, y como la aparición de una típica expresión folclórica bogotana.

Como producto del éxito se inició un programa en Radio Santa Fe, que se emitía los domingos y tuvo como tema central esa pieza musical. El programa duró hasta mediados de los años 60. Así pues, Emilio Sierra partió la historia de la música colombiana en dos al introducir y difundir con su orquesta ese ritmo que dominó en la década de los cuarenta, y que modificó las preferencias de baile en Colombia, reemplazando a los valses, danzas y pasillos, ritmos bailables dominantes de la época. La alegría de la Rumba Criolla se encargó de abrir el camino a la que luego entraría de manera definitiva en el sentimiento bailable nacional: porros, cumbias, vallenatos, gaitas, merecumbés.

Fue el maestro Sierra quien organizó en 1943 el dueto de La Hermanas Díaz, dos jóvenes tolimenses de Icononzo recién llegadas a Bogotá. Acompañó a Matilde con su orquesta en su primera grabación discográfica, que fue un éxito en la época, pocos años antes de que ella iniciara su carrera al estrellato al lado de su gran maestro y esposo, Lucho Bermúdez.

Emilio Sierra fue además compositor de temas de la región Andina y de uno que otro del folclore Caribe. Su obra es una de las más copiosas de nuestra historia musical; abarcó no sólo rumbas criollas y bambucos fiesteros, sino  joropos, congos y boleros, himnos y música religiosa. Compuso la música para el primer largometraje que se filmó en el país, La Maria, de Jorge Isaacs, y como si fuera poco, fundó en 1.940 a Sayco, de la que fue su primer presidente. Se radicó al final de sus días en el Valle del Cauca, dedicado a la docencia, y murió en Cali.

Septiembre 15 de 1929: Nace “La Nena Jiménez”

Nació en Medellín la precursora del humor picante, la humorista antioqueña que dejó un gran legado por sus célebres «chistes verdes». Durante cuatro décadas fue la reina del humor picante en Colombia y sus chistes, sin ninguna vergüenza, hicieron sonrojar a todo un país. Una ametralladora de humor verde que decía: «Esto es lo que me gusta hacer. No importa lo ajetreado de la agenda, siempre tengo ganas de salir a hacer humor».

Su carrera comenzó en la radio. En 1968 le ofrecieron hacer una grabación para Discos Fuentes, que se extravió, pero una copia clandestina se filtró al público. Ganó una enorme popularidad, y en 1974 volvió a ser contratada por la disquera, editando chistes de color que trascendieron fronteras, y llegaron con ella a Nueva York, Miami, Santo Domingo, Panamá, Chile, República Dominicana, Ecuador, Venezuela, y España. Con sus cuentos se presentó en El Show de Cristina, Sábado Gigante y Don Francisco.

Rosa Helena Jiménez Ochoa de Chavarriaga, La Nena, llegaba muy puntual, vestida con su abrigo de piel, con decenas de anillos, pulseras, collares y aretes. Sin apuntes y sin libreto disparaba chiste tras chiste, sin parar, sin dudarlo. Su memoria era prodigiosa. Conectaba una historia con otra: «El 98 por ciento de los hombres son infieles, el 2 por ciento son mentirosos. Pero acuérdese que el hombre miente y la mujer finge, y ahí estamos empatados».

Mujer de carácter fuerte, cuentan que sus rutinas subidas de tono le costaron el matrimonio pues su esposo no concebía que ella divirtiera al público con obscenidades. Decía que le tenía pánico a montarse en los aviones, pero cuando lo hacía no suspendía su rezo del Rosario. Claro está que, con los vacíos, interrumpía sus oraciones con decenas de madrazos a lengua limpia. Contaba también que en su familia había reinas de belleza, como Claudia Helena Vásquez. Amparo Peláez, una de sus grandes amigas contaba que desde pequeña le tomaba el pelo a todo el mundo. También aseguraba que siempre tuvo mucho éxito con los hombres, en particular con los jóvenes.

Además de su gracia para contar historias, hacía reír por las palabras rebuscadas que usaba para salir de términos incómodos. Existe una especie de Diccionario para entender sus chistes

Amortiguador: Un amante clandestino

Tupirle al miriñaque: Tener sexo.

El 19 de octubre del 2011 partió al cielo de los contadores de chistes, donde hará reír por toda la eternidad a más de un ángel de la guarda.

Septiembre 15 de 1990: Muere Santander Díaz

Nació en 1933. Alguien notó su gran parecido con el gran prócer de la independencia, con su bigote afinado, y lo llamó Santander. Carlos Arturo Díaz Herrera comenzó su carrera en su natal San Juan Nepomuceno siendo cantante de varias agrupaciones musicales. En 1953 entró a conformar el popular trío Los Isleños en Barranquilla, agrupación que se convirtió en símbolo de la música colombiana, y que recorrió América interpretando boleros y música caribeña.

En 1967, Mister OTI, como era conocido en el mundo artístico, se separó de Los Isleños para entrar a gerenciar la Editorial Musical Peer Internacional. Este icónico lugar congregaba a los compositores que buscaban grabar sus obras, y también fue un inolvidable sitio de bohemia, donde después de las seis de la tarde se reunían a cantar y a compartir.

Sin embargo, más interesado en poner a funcionar el repertorio de nuevos compositores colombianos, decidió estudiar dirección y producción artística en Estados Unidos y Francia.

En 1970 vio a una joven cantante que en esa época empezaba su trabajo musical al lado de Lyda Zamora y Carmenza Duque. Se trataba de una joven de apellido Caldas. Una tal Gladys. Posteriormente la empresa CBS aceptó producir el disco, y nació así Claudia de Colombia. Santander Díaz la promocionó, y se produjo un fenómeno de ventas nunca antes visto en el mercado musical colombiano. Se desvivía por Claudia. Fue su gran amor, pero por algunos inconvenientes la unión artística y personal terminó después de un viaje a Centroamérica, lo que lo afectó grandemente. Emocionalmente nunca pudo reponerse. Claudia fue su obra maestra, pero ella nunca ha reconocido el trabajo de su mentor y productor. La ingratitud fue grande, el día del sepelio brilló por su ausencia. Fue velado con honores en la sede de Sayco, de la que fue vicepresidente; se hizo una cámara ardiente en su honor con cantantes y músicos a lo largo de la noche.

Santander Diaz dirigió artistas de la talla de Billy Pontoni, y compuso temas para cantantes como Danny Rivera, varios tríos mexicanos, y Helenita Vargas, entre otros. Romántico por naturaleza, conquistador incansable, dicen que tenía en su corazón una larga lista de amores. Un día, en una de las tertulias, alguno de los presentes se imaginó su sepelio en el Estadio El Campín, a donde desfilaba una larga procesión de mujeres vestidas de negro, con su velo bañado en lágrimas, una a una, frente al féretro de Santander, su viejo amor, susurrando frases de despecho. Y él se reía con la ocurrencia.

Siempre pregonó con orgullo ser un artista y compositor colombiano. Honor y gloria al gran Santander Díaz.

Septiembre 12 del 2017: Muere «Buitraguito»

En el municipio de Piedras, en el Tolima, murió «Buitraguito», un zapatero que vivía de su oficio pero que a finales de la década de los 40 comenzó un camino de gloria en la música, y se volvió parte del cancionero nacional. Un hombre humilde y sencillo que vivió para cantar. El cantante que le puso swing a las parrandas navideñas de varias generaciones de colombianos.

Julio César Sanjuán Escorcia era su nombre de pila, y vivía dese hacía unos 15 años en Piedras, de donde es oriunda su esposa. Nació en 1929 en un pueblo del departamento de Bolívar a orillas del Río Magdalena. Empezó a ganarse la vida como zapatero, labor que combinó con la creación de versos. Un cliente en alguna oportunidad le regaló un tiple, lo que lo llevó a aprender a tocar las cuerdas, aunque por sus venas siempre corrió sangre musical, y fue la muerte de una leyenda del folclor caribeño lo que terminaría por elevarlo a la fama.

Por aquellos años Guillermo Buitrago, ya era toda una celebridad. No existía la palabra vallenato, pero sí el son de cuerdas y guacharaca, que ya no suena casi. Su música se escuchaba en todo el Caribe, e incluso en el interior del país. Julio Cesar se convirtió en uno de los seguidores de su música. Y mientras cantaba en las fiestas para enamorar a las muchachas, quiso conocer a su ídolo. Lo consiguió en 1948. Le compartió unas composiciones y le cantó. «Si sigues así vas a triunfar», le dijo Guillermo Buitrago. Meses después lo invitó a la grabación de uno de sus discos en Barranquilla. Allí le dijo: «Pero si tú cantas igual a mí». Y Lo que había empezado como una simple imitación, terminó siendo su destino.

En 1949, con tan solo 29 años, Guillermo Buitrago murió. Una triste noticia para sus seguidores, pero sobre todo para Antonio Fuentes, de la disquera, quien ya tenía varios contratos en Centroamérica. Inició la búsqueda de un artista capaz de llenar el vacío. Hizo una convocatoria para encontrar el reemplazo, y Julio César Sanjuán, a quien ya conocían precisamente por sus imitaciones, la ganó. Desde entonces el zapatero Sanjuán empezó a ser llamado Buitraguito por la enorme similitud de sus voces y estilos. Incluso varias generaciones después se les confundía.

Su voz siempre compitió con la de Guillermo Buitrago pues las canciones de este último seguían sonando cada diciembre, y ambos se oían al tiempo. No habían pasado dos años desde la muerte de Guillermo Buitrago, y Buitraguito, que ya había cambiado el betún por los micrófonos y los pentagramas, se hacía famoso con Regalito de navidad: «Agradezco a todos ustedes haberme mantenido vigente durante tantos años, espero trascender en el tiempo con ese mismo cariño. Que las generaciones que vienen continúen con el legado de los juglares originales», escribió poco antes de su muerte, como si se tratara de una despedida anticipada.

Sombrero y saco blanco, corbatín y camisa a rayas, fue la pinta que siempre lo distinguió. “Buitraguito” era la nostalgia del vallenato y la música parrandera de los años 40 que con el paso de los años se fue imponiendo en todo el país. Conocedores de su música afirman que fue la inspiración de, entre otros, los Hermanos Zuleta y Alfredo Gutiérrez.

Septiembre 11 de 1971: Muere Nikita Kruschov

Murió en Moscú el que fue máximo dirigente de la Unión Soviética entre 1953 y 1964, el que depuró los excesos cometidos por Stalin y acercó posturas con el Occidente capitalista. Se encargó de crear relaciones internacionales más abiertas y de promover libertades en el plano interno. Su visión comprendía la coexistencia pacífica con Occidente y una relativa apertura tanto cultural como turística. Además, se encargó de promover avances en materia de exploración espacial. Fue durante su gestión que lograron poner en órbita el primer satélite soviético, así como conseguir enviar al espacio al primer hombre.

Denunció el terror que había implementado Stalin durante su gobierno, en 1956, en el XX Congreso del Partido, cuando pronunció el «discurso secreto». Pero sus políticas internas, encaminadas a mejorar la vida de los ciudadanos comunes, a menudo fueron ineficaces, especialmente en el área de la agricultura. Con la esperanza de finalmente contar con tensos de la Guerra Fría, que culminaron en la Crisis de los misiles en Cuba.

Nikita Kruschov nació en 1894 en una aldea campesina. Fue educado durante cuatro años, una parte en la escuela parroquial del pueblo y otra parte bajo la tutela de Lydia Shevchenko, una librepensadora que sorprendió a los aldeanos por no asistir a la iglesia.​ Ella lo alentó a buscar la educación superior, pero las finanzas familiares no se lo permitieron. Trabajó cuidando el ganado desde chico, y después de trabajar en otros campos encontró un lugar como aprendiz de metalúrgico y fue contratado en una fábrica. Más tarde declaró que consideró la idea de emigrar a los Estados Unidos por mejores salarios, pero no lo hizo. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial estuvo exento del servicio militar por ser un obrero metalúrgico calificado. En 1958 ascendió al puesto de primer ministro en la Unión Soviética, y desde allí expuso su idea de un comunismo reformado. Kruschev quiso que su gobierno fuera recordado como la transición a un mundo soviético más libre.

Hizo su segunda y última visita a los Estados Unidos en 1960. No tenía ninguna invitación, pero él mismo se había designado como jefe de la delegación de la ONU por la URSS. Y fue cuando ocurrió el inolvidable incidente del zapato. Enfurecido por una declaración del delegado filipino que acusó a los soviéticos de emplear una doble moral por denunciar el colonialismo mientras dominaban a Europa del Este, exigió el derecho a responder inmediatamente y acusó al filipino de ser un servil lacayo de los imperialistas estadounidenses. Como el filipino continuó su discurso, no se limitó a dar puños a su escritorio, sino que además se quitó su zapato y comenzó a golpearlo en él.

Los conspiradores encabezados por Brézhnev se reunieron en octubre de 1964 mientras él estaba de vacaciones. Brézhnev lo llamó  para notificarle una reunión especial del Presidium aparentemente en materia de agricultura. Voló a Moscú para ser atacado por Brézhnev y otros miembros del Presidium por los fracasos de sus políticas. Puso poca resistencia y dijo: «Estoy viejo y cansado. He hecho lo más importante. ¿Podría alguien haber soñado con decirle a Stalin que no nos servía más y sugerirle su retiro?  Ahora todo es diferente. El miedo se ha ido, y podemos hablar de igual a igual. Esta es mi contribución. No voy a oponer resistencia». El Presidium y el Comité Central votaron a favor de aceptar su retiro voluntario, y Brézhnev fue elegido. Cuando fue destituido se le concedió una pensión de 500 rublos al mes, y se le aseguró que su casa y su dacha eran de por vida. Sin embargo, poco después se le redujo la mensualidad a 400 rublos y se le trasladó a un apartamento y a una casa de campo más pequeña.

Cayó en una profunda depresión. Su nieto contaba que lloraba continuamente. Recibía pocos visitantes, sobre todo porque sus guardias de seguridad llevaban la cuenta de todos los invitados, e informaban sus idas y venidas. Se le hizo ser inexistente al punto que en el último volumen de la Enciclopedia Soviética omitió su nombre en la lista de políticos prominentes durante la Gran Guerra Patria. Murió en 1971, y fue enterrado después de que se le negara un funeral de Estado. Por temor a las manifestaciones, las autoridades no anunciaron la muerte hasta última hora y rodearon el cementerio con tropas. Aun así, algunos artistas y escritores se unieron a la familia. Pravda publicó una frase anunciando la muerte, mientras los periódicos occidentales dieron una amplia cobertura. El New York Times escribió: «Nikita Kruschov abrió las puertas y ventanas de una estructura petrificada. Dejó el aire fresco y nuevas ideas, produciendo cambios que el tiempo ha demostrado que son irreversibles y fundamentales»

Septiembre 11 de 1974: Aniversario Orlando Duque

Hoy está de cumpleaños nuestro Campeón! Uno de los mejores clavadistas del mundo, que ha dejado el nombre del país por lo más alto en todos los escenarios que ha visitado

Orlando Duque llegó a convertirse en el mejor clavadista del mundo gracias al fútbol: «Entrenaba en una cancha que quedaba atrás de las piscinas panamericanas en Cali, después de sudar y dar patadas, me gustaba pasar por la piscina para ver a los clavadistas. En una de esas visitas una de las entrenadoras me preguntó si quería aprender. Le dije que sí».

En esa época, cuando tenía 10 años, el agua no era su mejor amiga: «no me gustaba bañarme, pero la piscina me encantaba y mi mamá me llevaba casi todos los fines de semana». Su destino estaba ligado con las alturas y las caídas. Cuando era niño sufrió un accidente típico: se cayó de un árbol de mango: «En mis noches de insomnio repito mis saltos una y otra vez en mi pantalla mental, y sueño constantemente con caídas desde árboles, techos, piedras o que floto en el aire sin caer».

Arrebatado de las garras del deporte más popular del mundo, se aburrió de saltar en las azules y cuadriculadas aguas de las piscinas y decidió buscar los riscos más escarpados del mundo. La solución se la dio un amigo que había ido a trabajar a un parque de atracciones en Viena, y lo invitó. Firmó un contrato por tres años, se vestía de payaso y saltaba desde una grúa de 25 metros de altura a una piscina llena de fuego, de siete metros de diámetro y tres de profundidad. Luego un parque en Hawai lo invitó a hacer saltos y sucumbió ante los encantos de Lee Ann, su esposa, y se quedó.

Orlando Duque ha sido nueve veces campeón en el circuito mundial de clavados extremos. En el 2006 el salto del campeonato mundial que ganó, entró en los libros de los Récords Guinness: fue el único participante al que los siete jueces le dieron la máxima calificación: 10 sobre 10. «Esto de los clavados extremos incluye todo lo que me gusta, con la emoción extra de saltar en diferentes sitios. He corrido con suerte de haber tenido muy buenos resultados que me han llevado a medio mundo».

Septiembre 11 del 2002: Muere Kim Hunter

Murió la actriz mundialmente famosa por su papel como Stella Kowalski al lado de Marlon Brando en la clásica película Un tranvía llamado deseo, papel le valió un premio Óscar a la mejor actriz de reparto, y un premio Globo de Oro en la misma categoría. La recordamos además como la dechimpancé psiquiatra Zira, en la serie El planeta de los simios. Dos películas que han sido seleccionadas para el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de los Estados unidos de América por ser de gran valor cultural, histórico y estético.

También participó en televisión, en series como Colombo, Bonanza, Ironside, Cannon y Misión Imposible, que la llevaron a ser uno de los rostros más populares de la pequeña pantalla. Kim Hunter tuvo una larga e impresionante carrera en el teatro, el cine y la televisión que se prolongó por siete décadas, y cuenta con dos estrellas en el Paseo de la fama de Hollywood.

Nació en Detroit en 1922, y su nombre de nacimiento fue Janet Cole. Contaba que era callada y dolorosamente tímida cuando era niña, y lo superó gracias a la guía de una maestra de dramaturgia local que le dio lecciones de dicción, voz y postura: «Cuando era niña consideraba ser concertista de piano. A los 11 decidí ser escritora, luego una profesora de teatro se me acercó. Siempre me han gustado las películas y pedí tomar algunas lecciones de actuación»

En la década de 1950 fue incluida en la lista negra de Hollywood en películas y televisión por sospechas de simpatías con el comunismo: «Nunca fui comunista, ni siquiera pro comunista, pero fui muy pro-derechos civiles y firmé muchas peticiones. Creo que mi gran pecado fue aceptar ser patrocinador de una Conferencia de Paz Mundial en 1949 celebrada en Nueva York. En realidad, nunca asistí, pero la revista Life salió con una amplia imagen de todos los patrocinadores, y creo que esto avivó las llamas». Más tarde su testimonio ante la Corte Suprema de Nueva York en 1962 contra los editores, ayudó a allanar el camino para la autorización de muchos artistas acusados ​​injustamente de conexiones comunistas.

Septiembre 10 de 1945: Nace José Feliciano

Nació un hombre que es sinónimo de música, de presencia internacional. José Feliciano ha influido en la música popular durante dos generaciones, y es reconocido como el primer artista latino en cruzar efectivamente al mercado musical inglés abriendo las puertas a otros. Ha sido aclamado por críticos de todo el mundo como el mejor guitarrista vivo. Conocido como «El Picasso de su reino», está considerado como un virtuoso ejecutante de la guitarra y descrito como un «mago de diez dedos que retoza, corre, rueda, toca y reverbera sus seis cuerdas de una manera incomparable».

Sus logros son muy celebrados. Ha sido galardonado con más de cuarenta y cinco discos de oro y platino; ha tenido diecinueve nominaciones al Grammy y nueve, incluido el Premio a la trayectoria. Su carrera musical ha sido inmortalizada con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, y la ciudad de Nueva York lo honró al renombrar la Escuela Pública 155 en East Harlem, La Escuela de Artes Escénicas José Feliciano. La Orden Ecuestre del Santo Sepulcro, una antigua y prestigiosa Orden Papal, lo nombró caballero en la Catedral de San Patricio, y recibió un título de Doctor en Letras Humanas de la Universidad del Sagrado Corazón en Connecticut, por su obra musical y humanitaria, y sus contribuciones al mundo.

Ha actuado para y con algunas de las personas más importantes de la Tierra. Ha tocado con muchas de las mejores orquestas sinfónicas, y ha aparecido en los principales programas de televisión de todo el mundo. Con su potente e inconfundible voz ha interpretado y publicado más de 600 canciones, y ventas de discos se estiman en 50 millones de copias.

José nació ciego, en Lares, Puerto Rico y fue uno de los once niños. Su historia de amor con la música comenzó a los tres años cuando acompañó por primera vez a su tío en una lata de galletas. Aprendió a tocar la guitarra por sí mismo con una determinación inquebrantable y, con nada más que discos como maestros, practicaba hasta 14 horas al día. A los 8 años entretuvo a sus compañeros de clase y a los 9 actuó en The Puerto Rican Theatre en el Bronx.

A los 17 dejó la escuela. Su padre no estaba trabajando en ese momento y necesitaba ayudar a su familia. Tocó en cafeterías, clubes y cafés desde Boston hasta Cleveland, Detroit, Chicago y Denver. Por esta época, un ejecutivo de RCA lo vio actuar y lo contrató. Este fue el nacimiento de una estrella. Rápidamente se convirtió en un ídolo adolescente, y no podía pasar por los aeropuertos o incluso salir de la habitación del hotel sin un alboroto.

Su nombre fue conocido en toda América. Cuando tenía veintitrés años había obtenido cinco nominaciones al Grammy, ganado dos, y había actuado en gran parte del mundo y grabado canciones en cuatro idiomas.  Desde un punto de vista histórico, fue el primer artista en estilizar el Himno Nacional e interpretarlo públicamente en 1968 en el histórico Tiger Stadium. A menudo se aventura en otros géneros artísticos y, de hecho, se ha hecho famoso por hacerlo. Aunque sus mayores éxitos provienen del bolero y las baladas, es reconocido por sus influencias y ejecuciones en el Soul, el Jazz, el Rock y los ritmos latinos.

Cuando está en casa pasa el tiempo escribiendo y grabando en su estudio, disfrutando de todo lo relacionado con el béisbol; y le gusta ir al gimnasio y ser padre. Reconoce su gran fortuna al haber conocido a algunos de los artistas, escritores, científicos, figuras del deporte, jefes de estado, figuras reales más notables del mundo y, entre sus mayores honores, haber actuado para tres Papas.

A lo largo de los años ha obtenido la reputación de gran humanitario y Embajador de buena voluntad en todo el mundo: «Nunca olvidaré de dónde vengo, o las personas que me ayudaron a mi familia o a mí en el camino. Me gustaría ser recordado como un hombre de paz. Como alguien que trató de llevar música al mundo. Como alguien que trató de aliviar un poco lo malo de esta vida. Como alguien que pudo aliviar a las personas con mi música y llevarles un poco de felicidad».

Septiembre 10 de 1945: Nace Carlos José Mayolo

Nació en Cali y terminó el bachillerato en Bogotá. Más tarde estudió dos años de Derecho en la Universidad Santiago de Cali. En 1968 inició su carrera como director de cine documental y argumental, y ocasionalmente como actor. Hizo parte del llamado grupo de Cali, todos ellos aficionados al cine, con quienes participó en la fundación de varios clubes de cine de su ciudad, y la revista Ojo al Cine, en 1974.

Carlos José Mayolo es recordado por su participación en Los pecados de Inés de Hinojosa y por sus trabajos como realizador de las series Hombres y Azúcar, su trabajo para televisión más exitoso, (con 16 premios Simón Bolívar y 6 nominaciones en el Festival de cine de Cartagena), donde cuestionó y criticó el orden neocolonial ligado a la cultura de la hacienda azucarera, y el poder de ciertas familias en el Valle del Cauca. Si por algo debiera ser recordado no es por una producción cinematográfica vasta, sino por romper convenciones con lo que hizo, por crear productos sin antecedentes. Él rompió con los cánones tradicionales de producción en televisión.

Fue condecorado con el Premio a Toda una vida dedicado al cine, que le entregó el Ministerio de Cultura en el 2007, a través del programa Nacional de Estímulos a la creación y la Investigación. A su filmografía se suman trabajos pedagógicos con estudiantes de diferentes universidades colombianas y un libro de sus memorias, ¿Mamá, qué hago?

Sobre su ciudad decía: «Hay un gran amor por la ciudad, porque es la ciudad donde me hice, donde tuve mis primeras relaciones con todo. Mi madre era una persona muy libre, mi padre era una persona muy extraña, muy enredada, ingeniero de minas; hablaba inglés todo el tiempo, había estudiado en Estados Unidos. Yo vivía una Cali muy americanizada. Con el tiempo uno se da cuenta de que esa misma ciudad placentera tenía otras clases sociales que reaccionaban a la ciudad distinto, como es la salsa, el baño en el río y otra cantidad de costumbres que hay en el Valle del Cauca. Todo eso me fue dando una ciudad que fui asimilando poco a poco. Entonces todas las películas tratan de cómo llegar al amor a Cali. Tanto Oiga, vea, como Cali, cálido calidoscopio, y Cali: de película, son películas sobre la ciudad. Es una ciudad que la quiero mucho y que creo que he tratado de interpretarla en mis películas, que ahí está».

Conoció a Luis Ospina, en Cali: «La primera vez que quisimos rodar una película juntos fue cuando vino el papa a Colombia. Era una oportunidad envidiable para hacer algo, pero no pudimos porque no disponíamos del equipo ni del dinero necesarios. Después se presentaron los VI Juegos Panamericanos de Cali. Entonces decidimos hacer una película sobre el evento, sin tener ideas preconcebidas, ni guión, y tratamos de hacer la película desde el punto de vista de la gente que no pudo entrar a los Juegos».

Al final de su vida se dedicó a la escritura. Sus proyectos para el cine se quedaron en el papel, y la televisión comercial tomó otros rumbos, en los que su personalidad algo anárquica no cabía. Escribió poesía, artículos para prensa, guiones, ensayos, y obras de teatro. Y llega el decaimiento. Contaba su amigo Luis Ospina: «Al final de su vida se convirtió en un adicto a conciencia. Nosotros, sus amigos, los que le hicimos la segunda en todo, comenzamos a preocuparnos. Mayolo, no tomés tanto. Mayolo, no metás tanto. Fue inútil. Mayolo nos oía en silencio, no decía ni sí ni no». Y Mayolo murió el 3 de Febrero del 2007.

Septiembre 9 de 1654: Muere San Pedro Claver

Murió en Cartagena, Colombia, «El esclavo de los negros». Hoy la Iglesia Católica celebra la memoria litúrgica de San Pedro Claver, el misionero y sacerdote jesuita español que pasó a la posteridad por su entrega a aliviar el sufrimiento de los esclavos que llegaron al puerto de Cartagena, Colombia, desde África durante el siglo XVII.

Su primer encuentro con los jesuitas fue en Barcelona siendo estudiante universitario. Ingresó en la Compañía en 1602 cuando tenía 21 años, y estudió filosofía en la isla de Mallorca, donde se despertó su deseo de ser misionero en el Nuevo Mundo. Se ofreció a ir a las misiones, y el provincial lo envió a Colombia en 1610. Antes de terminar sus estudios teológicos en Bogotá se fue a Cartagena, donde se ordenó en 1616, y donde pasaría el resto de su vida. Su vida se desarrolló en el colorido contexto de aventuras, pasiones e injusticias del puerto de Cartagena de Indias, centro de dramáticos conflictos morales y sociales.

Cartagena era uno de los dos puertos españoles autorizados para recibir esclavos; cada año llegaban entre 12 y 14 naves cargadas de esclavos. En la época de Pedro Claver se estima que pasaron por el puerto alrededor de 10.000 cada año. Permanecían durante el viaje en las oscuras bodegas del barco, que no podían albergar seres humanos. Un tercio de ellos moría en el trayecto. Llegaban en horribles condiciones después de un viaje muy largo. Muchos misioneros alzaron la voz contra esta inhumanidad, pero fueron perseguidos y hasta expulsados. Él los esperaba en los muelles con la comida que había recogido como limosna. Acompañado de ex esclavos que actuaban como intérpretes, subía a los barcos y saludaba a los que encontraba en cubierta antes de descender a la bodega para atender a los enfermos. Los esclavos permanecían unos días en Cartagena, por lo que actuaba rápidamente para prepararlos para el bautismo.

En 1650 Cartagena sufrió una epidemia de peste, y Pedro Claver fue una de sus víctimas. Durante los últimos cuatro años de su vida estuvo demasiado enfermo para salir de su habitación; prácticamente solo y sin apenas poder moverse, se pasaba el día en contemplación. Cuando la gente del pueblo se enteró de su muerte, muchos entraron a la fuerza en su habitación para presentar sus últimos respetos. Tal era su reputación de santidad que tomaban cualquier cosa que les sirviera como reliquia del santo. Los magistrados de la ciudad, que antes lo habían considerado casi un estorbo por su persistente defensa a favor de los esclavos, ordenaron un funeral público y fue enterrado con pompa y ceremonia.

Descrito como tímido y sencillo, catalán corto en palabras y largo en hechos, es una de las figuras del cristianismo más apasionantes del siglo XVII. Su entrega abnegada a los negros, de los que los teólogos de esa época discutían incluso si tenían alma, es un modelo admirable de la práctica cristiana del amor y del ejercicio de los derechos humanos, de los que se lo declaró defensor en 1985.

Durante 40 años mostró una compasión ilimitada por los abandonados. Se lo considera un ejemplo heroico de lo que debe ser el amor por los más pobres y marginados, se lo honra como patrono de los esclavos, y desde 1896 como patrono de las misiones. El Congreso de la República de Colombia declaró el 9 de septiembre como Día Nacional de los Derechos Humanos en su honor. León XIII, en ocasión de la canonización en 1888 dijo: «Pedro Claver es el santo que más me ha impresionado después de Cristo».

Septiembre 9 de 1828: Nace Liev Tolstói

En una finca a 200 kilómetros de Moscú nació en una familia aristocrática, hijo del conde Nokolai Ilich, terrateniente, y de María Nikolaievna, princesa Volkonskaia, uno de los más grandes escritores de todos los tiempos: el ruso de Guerra y Paz, y Anna Karenina. El hombre que consideraba que: «El secreto de la felicidad no es hacer siempre lo que se quiere sino querer siempre lo que se hace».

Liev Tolstói recibió educación de tutores franceses y alemanes, y a los 16 años entró a la Universidad para cursar estudios de lenguas y leyes. Cuentan que después de haber abandonado la facultad de leyes y letras, y acumulado deudas, se unió al ejército y fue durante este período que empezó a escribir. La experiencia del ejército lo convirtió en un anarquista cristiano y pacifista. En una carta enviada a un amigo, escribió: «La verdad es que el estado es una conspiración diseñada no solo para explotar, sino sobre todo para corromper a sus ciudadanos. De ahora en adelante, nunca serviré a ningún gobierno en ninguna parte» Sus conceptos de no violencia y pacifismo influyeron en Mahatma Gandhi, quien llegó a tener correspondencia con él en busca de consejo.

También cuentan que era fanático de las reglas de crecimiento personal y que tenía una lista de reglas que aspiraba a seguir. Entre ellas: irse a dormir a las diez de la noche y levantarse a las cinco, sin dormir más de dos horas durante el día, comer moderadamente y evitar los dulces, y limitar las visitas a los burdeles a dos por mes.

Dicen que su matrimonio fue todo menos pacífico. El día antes de la boda, obligó a su futura esposa a leer su diario, en el que relataba sus innumerables relaciones sexuales y sus negocios ilegales. Sofía era casi una asistente personal, y escribió el manuscrito Guerra y paz ocho veces, hasta que fue legible. Todo mientras cuidaba la casa y los niños. Pero cuando invitó a sus discípulos espirituales a vivir en la propiedad familiar ella perdió los estribos y abandonó sus responsabilidades, lo que empeoró la relación. Y como dicen, la vida imita al arte: así como el personaje principal de Anna Karenina, Tolstoi murió en la estación de tren. Pero, a diferencia de Karenina, que se arrojó a las vías, Tolstoi murió de neumonía.

Con 82 años, atormentado por la disparidad entre sus criterios morales y su riqueza material, y por las disputas con su mujer, que se oponía a deshacerse de sus posesiones, se marchó de casa a escondidas en medio de la noche en pleno invierno. Llegó a la estación un día después, y aunque recibió atención médica, no pudo resistir. Tres días más tarde, cayó enfermo de neumonía. El 20 de noviembre de 1910 murió en la estación de ferrocarril en Astápovo (hoy Lev Tolstói), y fue enterrado sin ninguna ceremonia religiosa en una pequeña loma. En el 2001 un biznieto solicitó a la iglesia ortodoxa rusa la revocación de la excomunión pronunciada en 1901 por la visión del cristianismo que daba en sus escritos.

Las obras de Tolstói dejaron una huella imborrable en la historia de la literatura universal: la profundidad de sus intuiciones humanas, y la precisión psicológica en la descripción de sus personajes, lo convierten en uno de los pensadores morales más fecundos y más fascinantes de la literatura de todos los tiempos.

Septiembre 9 de 1888: Nace Miguel Ángel Builes

Nació en Donmatías, Antioquia, un eclesiástico y escritor colombiano, obispo de la Iglesia católica que durante casi cuarenta y tres años gobernó la Diócesis de Santa Rosa de Osos, en los cuales fue un personaje polémico debido a su postura acérrima frente a los gobiernos liberales del país; especialmente era intransigente con todo lo referente al comunismo, pues lo consideraba una posición política e ideológica que no iba con la Doctrina de la Iglesia y con las buenas costumbres.

Miguel Ángel Builes Gómez se destacó por su extensa obra pastoral. Fundó cuatro comunidades religiosas, ordenó ciento sesenta y dos sacerdotes, consagró tres obispos, creó 23 parroquias, construyó los edificios de la Curia, del Seminario, y de la Basílica Menor de Nuestra Señora de las Misericordias, y fomentó la devoción a esta advocación mariana. Todo esto generó que fuera querido por unos, y odiado por otros.

Fue ordenado sacerdote en 1914 en Santa Fe de Antioquia, y cuando no había cumplido aún 10 años de sacerdocio fue nombrado Obispo de Santa Rosa por el papa Pío XI. Recibió la consagración episcopal en la Catedral Primada de Bogotá.

Sus actitudes, para nada diplomáticas en un momento en que la Iglesia intentaba crear un ambiente de tolerancia con el partido liberal que se encontraba en el poder, hicieron de él un personaje polémico. Su voz sonaba continuamente para denunciar lo que según él eran los horrores del liberalismo. No sólo trazó normas para la jerarquía en general; además delimitó las funciones de los prelados. Por medio de sus explosivas pastorales lanzó sus severas palabras no sólo contra la política; casi todos los aspectos de la vida colombiana fueron señalados por su crítica. Su primera reprimenda fue contra la moda femenina, pues no concebía que las mujeres utilizaran pantalones. En 1927 escribió: «La naturaleza humana en su tendencia a la relajación moral, buscó maneras indecorosas de vestir a través de los siglos; pero jamás llegó a soñar con implantar el uso del vestido del hombre para la mujer. Perdida la mujer se perdió todo». Y estableció  el agravante de que sólo él personalmente podía absolverlas.

Alfonso López Pumarejo durante su gobierno emprendió una serie de reformas, entre ellas las referentes a la enseñanza laica y obligatoria. Monseñor declaró: «La educación corresponde a la familia antes que al Estado, por lo cual éste no puede arrogarse el derecho a enseñar y, lo que es peor, de declarar atea la enseñanza».

En dos pastorales de 1939 acometió contra los carnavales, costumbre en Antioquia, que son según él eran: «Reunión de fétidos y contaminados elementos de todas partes para infectar la ciudad y dejar sus huellas inmundas en los fieles, con podredumbre moral y material». Después condenó la soltería y, cuando arremetió contra los reinados, se mostró casi profético: «Comedia bufa y carente de seriedad es la elección de reinas; como nuevo pábulo a las pasiones vergonzosas se han venido estableciendo los llamados reinados del maíz, del café, del fríjol, del tomate, del oro y últimamente el de la sal. No tardarán en establecerse los reinados y las reinas del petróleo, del carbón, de la gallina, del cerdo y del buey».

Con el paso de los años se radicalizó más, y la arremetió contra casi todo. Ya en la década de los cincuenta fue el turno de los paseos: «en los que las mujeres van y vienen solas o acompañadas de su novios o de sus amigos, de día y de noche, por pueblos, veredas y despoblados, en andanzas peligrosas»; y respecto al baile «son gravemente pecaminosos». Llegó al punto de formular una doctrina teológica en la que hizo descripciones detalladas de movimientos y roces, dedicando un capítulo al mambo, «horrenda corrupción», prohibiendo la absolución de ese pecado mortal.

El papa Pío XII lo honró con el título de Prelado Doméstico de Su Santidad y Conde Romano en 1952, y a los 80 años, obedeciendo la voluntad del papa Pablo VI, presentó su renuncia al gobierno pastoral de la diócesis. Trasladó entonces su residencia a Medellín, donde murió en 1971. En el 2001 se inició el proceso de beatificación y canonización, diligencia que marcha satisfactoriamente. En la actualidad es Siervo de Dios.

Septiembre 9 de 1910: Nace «El Cantor de Chinchin«

Nació en Jericó, Antioquia, el que se haría conocido como «El Cantor de Chinchiná». Fue cantante, compositor y gallero. En su vida de autor y compositor produjo bambucos, pasillos, cumbias, tangos y milongas. Sus obras han sido grabadas por los mejores grupos y las mejores voces, y hoy en día son joyas de la discografía para los coleccionistas.

En la familia de Abel de Jesús Salazar hubo mucho ambiente musical, pues tíos y otros familiares tocaban algunos instrumentos de cuerda. De Jericó, la familia emigró a Finlandia, Quindío, donde frecuentaba la casa de su tío Daniel Acevedo que poseía una inmensa fonoteca y además tocaba guitarra y dulzaina. Con él aprendió a tocar la guitarra.

A Abel se le conocía en Chinchiná, donde residió en sus últimos veintiún años apergaminando historias para la música colombiana, como El Cantor de Chinchiná, y tuvo allí un bar que se llamó El Cantor, donde se reunían artistas, músicos y cantantes. Posteriormente se fue a Armenia, y también vivió en Medellín por dos o tres épocas, donde alternó con destacados artistas y compositores antioqueños, con su tipIe y su voz. Pasó por Pereira donde se relacionó con José Macías, Obdulio Arias, Pacho Bedoya, Eladio Espinosa, Noel Ramírez y otros, que aunque todavía no eran famosos, sí se les consideraba buenos músicos.

Formó un dueto con Eladio Espinosa; lo llamaron Salazar y Espinosa, y grabaron melodías de la inspiración de Abel. Su primera composición fue el tango Por tu culpa, en 1927, que la grabó como solista. Contemporáneo con el maestro Luís Carlos González, sus bambucos y pasillos se codearon con los del cantor de la ruana en las noches de bohemia ante las ventanas de la ciudad trasnochadora y morena, y el mismo Luis Carlos González exigía a los músicos los bambucos compuestos por él.

Con Eladio Espinosa y Octavio Ríos viajó a Bogotá, donde permanecieron un tiempo. Allí tuvo las mayores satisfacciones codeándose con políticos e intelectuales del país, entre ellos Jorge Eliécer Gaitán, a quien le gustaba que ellos le interpretaran la canción La pollita. Abel de Jesús Salazar hizo entre otros el pasodoble a Manuel Benítez «El Cordobés», y otro titulado César Rincón; se calcula que compuso unas cuatrocientas cincuenta canciones. Los que lo conocieron lo recuerdan como un hombre bueno, sencillo y amable. Estuvo casado con Blanca María Osorio de cuya unión hubo 7 hijos, y su casa estuvo siempre abierta para el diálogo con los artistas, coleccionistas y melómanos. Murió en Manizales en 1992.

Septiembre 9 de 1998: Muere Lucio Battisti

Murió en Milán. Vivía lejos de la civilización,   encerrado en su castillo, el joven de Poggio Bustano que tenía una voz particular, el pelo ensortijado y una guitarra en bandolera. Era excéntrico y heterodoxo, pero honesto consigo mismo. No aparecía en ningún programa de televisión porque los consideraba aceite de ricino. Lucio Battisti también dejó de dar conciertos llegando un momento. Sólo los más adictos a las melodías del corazón recuerdan el último; hacía ya más de veinte años que no se dejaba ver, no concedía entrevistas. Pero sus discos seguían saliendo con cierta regularidad, discos confeccionados en el estudio casero.

«Salir de gira significa estar de aquí para allá teniendo que soportar el mal tiempo, la gente del negocio con la que no me apetece tratar, todos los días en la carretera. No vives! Yo pretendo seguir en esta profesión, como es lógico quiero ganar dinero con esto, divertirme, incluso tener éxito. Pero con esta vida no estoy cómodo. No estoy hecho para esto, así que por ahora prefiero no dar conciertos. Opto por llevar una vida con menos ataduras, si quiero ir a buscar a un amigo voy a buscarlo, si quiero ir al cine a ver esa película, pues voy a verla. Intento mantener mi personalidad y si hay algo que te la roba es tener que subirte a escenarios», argumentó a su favor.

Su padre y su abuelo materno, que era un clarinetista aficionado que tocaba en la banda del pueblo, contribuyeron a que amara la música desde niño. Sin embargo, su familia no quería que se ganara la vida así.

Sus comienzos a mediados de los años 60 fueron como autor de canciones para otros artistas. Muchas fueron grabadas reiteradamente por innumerables cantantes y grupos, italianos y extranjeros. Músico, compositor y cantante, fue y sigue siendo considerado como uno de los más influyentes de la historia de la música popular italiana, está entre los más grandes e influyentes del rock italiano, la balada y la música ligera, tanto como compositor como intérprete de su propia música y la de otros artistas.

Su producción representó un cambio importante y decisivo en la escena del pop italiano a partir de finales de la década de los años 60. Influido por bandas anglosajonas supo conjugar como nadie la tradición melódica puramente italiana con lo mejor de las corrientes musicales anglosajonas.

Después de 1970 fusionó elementos folclóricos de la música Italiana con el rock y el pop, logrando un sonido muy innovador para entonces, con trabajos que en un principio fueron mal comprendidos y criticados por un sector de la audiencia, mientras que un público más joven descubría el poder de sus ideas musicales.

Pintor en sus ratos libros, escribió música sin cesar hasta los 55 años. Su muerte causó una conmoción enorme en toda Italia. El funeral fue estrictamente privado y sólo 20 personas fueron invitadas, incluido su amigo y compositor Mogol. Varios músicos, entre ellos Paul Mc Cartney, quien asegura que guarda en su colección toda su discografía, intentaron traducir al inglés algunas de sus canciones, lo que se vio interrumpido con su muerte. Pero el legado es enorme, y ha vendido más de 25 millones de discos.

Septiembre 8 de 1925: Nace Peter Sellers

Nació el hombre que fue tras la Pantera Rosa, un comediante que tenía una camaleónica capacidad de adaptación a cualquier personaje. Era reconocido como un genio cómico y ocupó el puesto 84 en el ranking de las 100 grandes estrellas de la historia del cine realizado por la revista británica Empire.

Peter Sellers no se llamaba Peter. Y tal vez allí comenzaron sus problemas. Fue bautizado como Richard Henry Sellers. Pero desde siempre sus padres lo llamaron Peter, el nombre de su hermano mayor que había muerto un par de años antes. Ese puede ser el dato en el que se cifren su éxito y su tormento. Desde antes de que tuviera conciencia ocupó el lugar de otro, interpretó a alguien que él no era. La búsqueda de la risa, del afecto de los otros, a riesgo de postergar su propia personalidad, a expensas de que eso le carcomiera toda su energía, puede tener ese origen.

Desde su infancia comenzó a trabajar junto a sus padres, siguiendo con posterioridad una carrera en solitario que le llevó al mundo de la radio. En la década del 50 empezó a hacerse conocido localmente. Los espectadores quedaban hechizados con su capacidad de adoptar diferentes acentos y encarnar personajes de distintas nacionalidades.

A principios de la década del 70 todavía no se había convertido en una estrella mundial, pero su talento (tal vez su genio) ya era reconocido y buscado por los principales directores cinematográficos. Todavía no circulaba la leyenda de sus excentricidades. Una de ellas era que confiaba demasiado en los consejos de un brujo, psíquico, astrólogo, al que acudía semanalmente. No aceptaba ningún proyecto sin que su consejero diera el visto bueno. Los estudios y los directores reconocieron en la situación una buena oportunidad, y el consejero espiritual y astral comenzó a ser sobornado para que lo guiara hacia sus proyectos.

En un noticiero entrevistaron a una rubia muy joven y de una belleza sobrecogedora. Alta y luminosa, Britt Ekland, la actriz sueca de 21 años que había llegado a Inglaterra para participar de un rodaje. Quedó deslumbrado y se propuso perseguirla hasta que le prestara atención. Al fin y al cabo, su asesor espiritual le dijo que en su futuro veía a alguien con una B y E en su nombre. Diez días después de encontrarse por primera vez, se convirtió en una de las 4 esposas.

Peter era un alma torturada. Sus fracasos matrimoniales y de cada una de las relaciones que encaró se pueden explicar en algo que declaró alguna vez: «Si ni siquiera puede encontrar una manera de vivir conmigo mismo, de aguantarme a mí, no puedo esperar que alguna otra persona lo haga».

Se le adjudicaron romances con cada una de sus compañeras de elenco que, según afirman, elegía cuidadosamente desde que se había convertido en una primera figura. Entre ellas se destacaron Ursula Andrews y Liza Minelli.  En 1960 filmó junto a Sophia Loren de la que también se enamoró perdidamente. Pasadas pocas semanas de rodaje, le declaró su amor incondicional. Sin embargo el éxito tapó sus problemas, le permitió seguir adelante. Era muy efectivo en la pantalla, nadie conseguía carcajadas con tanta facilidad. Logró la fama internacional convirtiéndose en uno de los rostros de comedia más populares de la gran pantalla.

Desde muy joven quiso ser baterista, y muchos años después logró forjar una amistad con un ícono de ese instrumento: Ringo Starr. Conoció a los integrantes de los Beatles a través de George Martin que fue productor de sus canciones con Sofía Loren y de varios de sus discos de comedia.

Cuando estaba a punto de comenzar el rodaje de Un disparo en la oscuridad, la primera película de la saga de La Pantera Rosa, Peter se bajó del proyecto. Sin esperanzas le hicieron una nueva propuesta que esta vez aceptó sin mayores problemas. El Inspector Clouseau, que inicialmente era un personaje secundario, tomó protagonismo de inmediato y se convirtió en el personaje principal. Volvió en otras cinco películas con Peter Sellers. Pero estaba convencido de que lo único que hacía que esos proyectos valieran la pena era su aporte, por lo que se reservaba el derecho de hacer lo que quisiera en el set. Algo de razón tenía. Los intentos fallidos por resucitar el personaje con otros actores, hasta Roberto Benigni, demuestran que era insustituible.

En 1964 sufrió ocho infartos en pocas horas. Los médicos no entendían cómo logró sobrevivir. A partir de ese momento, pese a las recomendaciones de los especialistas y de los pedidos de la gente que lo quería, siguió viviendo al mismo ritmo de antes y consumiendo las mismas sustancias en iguales cantidades. No se sabe si se consideraba inmortal, o buscaba desesperadamente la muerte, que le llegó el 24 de julio de 1980.

Septiembre 7 de 1949: Nace Gloria Gaynor

Nació la reina indiscutible de la Música Disco en las décadas de los 70 y 80, una de las almas negras más profundas de la historia de la música. En el 2005 fue incluida en el Salón de la Fama de la Música Dance, y la revista The Rollings Stones la califica entre las 100 mejores artistas indiscutibles de todos los tiempos. La mujer que coincidiendo con el hecho de que se separó de su pareja escribió la canción I will survive: «Sobreviviré es mi mantra, el núcleo de mi propósito dado por Dios. Es un privilegio y un honor para mí usarlo para inspirar a personas de todo el mundo, de todas las nacionalidades, razas, credos, colores y grupos de edad, a unirse a mí mientras canto y vivo las palabras: I Will Survive».

Una mujer que a sus 72 años aún no ha perdido el valor del pasado, y que a pesar de haberse convertido hace mucho tiempo en una leyenda y haber abandonado hace tiempo las lentejuelas, no ha abandonado la música. Ha alcanzado el estrellato mundial y el reconocimiento musical con canciones en las listas de éxitos en cuatro décadas, donando no solo su talento, sino su tiempo y dinero a obras de caridad. Obtuvo una licenciatura en ciencias del comportamiento para ayudar en su trabajo con organizaciones benéficas que ayudan a los jóvenes en riesgo y sus familias. En el 2015 Dowling College le otorgó además un título honorario de Doctora en Música.

En junio del 2019 decidió lanzar un álbum, Testimony, que expresa todo su amor por Dios. Muchos se lo habían desaconsejado, diciéndole que un disco como este ya estaba fuera de tiempo pero ella siguió su camino, y esto le permitió ganar otro Grammy en el 2020, 40 años despúes de su primera victoria. El Grammy lo recibió por correo.

En una reciente entrevista con un diario italiano, «Y al final, sí, sobreviví», habló de sí misma, del Grammy y de su relación con Dios:

«Afortunadamente estoy bien, no me siento particularmente aburrida o inquieta. He pasado mi tiempo haciendo muchas sesiones en vivo en Instagram para animar y hacer sentir mejor a mis fans. También he realizado videos de presentaciones para organizaciones benéficas, y escribí un libro que espero que traiga inspiración, esperanza y aliento, especialmente a los jóvenes. Creo que el papel de la música gospel es ahora el mismo que siempre, mejorar, inspirar, informar y animar a las personas sobre los temas del amor y el conocimiento, así como sobre la misericordia, la gracia y la disponibilidad de Dios. Fue bastante divertido poder ganar un Grammy por un proyecto que quería hacer durante años y que otros siempre me decían que no funcionaría. Soy una cristiana devota y trato de vivir cada día de acuerdo con su voluntad, su palabra y sus enseñanzas. No quiero imponer mi religión pero siempre estoy dispuesta a compartir mis creencias.

Hablando de las mujeres, hoy en día se han vuelto más conscientes y atrevidas, alentadas a afirmarse y decididas a usar sus talentos y habilidades para promover las causas que más les importan y ser más productivas en nuestra sociedad. Hoy no tengo miedos. Sé quién es mi padre, que es Dios y mi fe en él aleja todo temor. El futuro de este país y el de la humanidad en general ciertamente me preocupan, porque parece que viajamos a diario por el camino de la autodestrucción, construido sobre el egoísmo, la autocomplacencia y la codicia. Pero mi futuro no, eso no me asusta en absoluto».

Septiembre 6 del 2007: Muere Luciano Pavarotti

El mundo de la música clásica pierde uno de sus más grandes exponentes. Ante el desconcierto musical que se escucha hoy en día, estas conmemoraciones nos recuerdan que en el mundo siguen existiendo cosas que sublimizan el espíritu, y que jamás deben morir: Cerati, Pavarotti y tantos más que desafortunadamente se fueron.

Se puede no saber de ópera, pero es imposible no conocer a Pavarotti «el Rey del Do de Pecho», el hombre de la sonrisa eterna.

Luciano, mientras ayudaba con las labores del campo adonde habían tenido que irse a vivir cuando empezó la Segunda Guerra Mundial, comenzó a cantar como su padre. Cuando lo escuchó supo que tenía ante sí un diamante en bruto y que, pese a que tenían pocos recursos para vivir guardados en un pequeño departamento de dos habitaciones, ese niño tenía que recibir el apoyo y las oportunidades que él nunca tuvo, y que jamás se le ocurrió procurar para sí. Hubo dudas, claro, su madre prefería que fuera maestro, y Luciano soñaba con ser portero de fútbol.

Luciano renunció a sus sueños futbolísticos y por un tiempo quiso darle gusto a su madre trabajando un par de años como maestro de primaria. Pero el llamado de la música fue más poderoso que cualquier otra cosa. Gracias a su gran talento, el tenor Arrigo Pola no dudó en ayudar a Luciano, de solo 19 años, a educar su voz de manera gratuita.

Quizás este gesto quedó marcado para siempre en el corazón del Rey del Do de Pecho, quien a lo largo de su carrera no dudó en apoyar a talentos jóvenes por medio de clases magistrales.

Luciano, el chico que trabajaba en el campo y que soñaba con detener goles, comenzó a pararse en los escenarios más importantes del mundo, como La Scala de Milán, y la Ópera Metropolitana de Nueva York, e interpretó las óperas más célebres, incluida la temida Otello, que supone uno de los mayores retos vocales para los tenores dramáticos.

Durante 71 años el mundo pudo disfrutar de uno de los cantantes más talentosos que dio el siglo XX y que hoy día es recordado por su voz, carisma, altruismo, y franca y amplia sonrisa. Una Furtiva Lágrima por Pavarotti …

Septiembre 6 del 2008: Muere Berenice Chávez

Murió en Bogotá una gran embajadora de la música colombiana, la Reina de la canción colombiana.  40 años dedicada profesionalmente a la música, también se le conoció como La voz del bambuco, y como la Decana de las cantantes colombianas. Tal vez pocos guardan en la memoria la armonía con la que cantaba, y que alternó a lado de grandes figuras como el maestro Agustín Lara, Olga Guillot y El tenor de las américas, el muy agradecido don Pedro Vargas. Cantares de América, su trabajo discográfico más popular, fue editado en toda Latinoamérica, logrando un título más: Folclorista de América.

Berenice Chávez inundó con su voz más de medio siglo de música popular. Pasillos y bambucos se hicieron grandes en escenarios internacionales gracias a su talento, que se apagó tras una vida llena de éxitos. Se casó con el arpista paraguayo Dino García y composiciones como Pueblito viejo, Tiplecito de mi vida, y Los guaduales, se pasearon por el mundo gracias a ese peculiar tono que le imprimía la entonces joven cantante que hizo dueto con su hermana y que se conoció como el de las hermanitas Chávez.

Vivió durante cuatro años en Buenos Aires, en donde actuaron a mediados de los años cuarenta difundiendo canciones del folclore andino. Fue allí donde Berenice obtuvo el título de Reina de la canción colombiana. Ella siempre dijo: «El bambuco es mi idioma», pero ese idioma, desde finales de los ochenta, quedó sólo para reuniones familiares, de nuevo, como en los años cuarenta, a dúo con su hermana Cecilia, con quien vivía en Bogotá disfrutando de su pensión de jubilación. Como era muy difícil sostenerse económicamente con lo que ganaba como artista, no obstante haber grabado 10 LPs, se vinculó como secretaria al Ministerio de Obras Públicas, donde trabajó por once años y luego consiguió otro empleo similar en la Empresa de Energía Eléctrica de Bogotá, en donde laboró hasta conseguirla.

Sabía tocar el tiple, pero prefirió que la acompañaran para realzar su voz. Cuando le preguntaron qué pasaba cuando se le olvidaba una canción decía tranquilamente: «pues canto otra». Agustín Lara la llamó Señora bonita, que es el título de la famosa canción que él escribió para María Félix. Y a Pedro Vargas le gustó tanto su voz que se la llevó en una gira internacional. Berenice Chávez también fue una de las precursoras del cine sonoro en Colombia. En 1937 participó en una producción musical de los hermanos Álvaro y Gonzalo Acevedo, pioneros del séptimo arte en el país, considerada como la primera película con sonido sincrónico filmada en Colombia, de la cual se han logrado rescatar nueve minutos. Sus bellas melodías están unidas al desarrollo de nuestra cinematografía, su voz acompañó desde 1937 numeras producciones del cine colombiano.

Su última aparición fue en el 2006, cuando recibió el Premio Aplauso a las Bellas Artes en el Teatro Colón de Bogotá, como reconocimiento a su extensa carrera musical.

«Con la muerte de Berenice muere toda una era grandiosa de la música de Colombia», fueron las palabras del compositor Jorge Villamil, autor de varias de las canciones que ella popularizó.

Septiembre 6 del 2018: Muere Burt Reynolds

Una de las estrellas más populares y taquilleras, el eterno ícono de los 70, 58 años de carrera, y recordado además por ser la primera estrella masculina en protagonizar en 1972 un desnudo de cuerpo entero en la prensa no pornográfica, Burt Reynolds, murió en La Florida.

La famosa foto se hizo para la revista Cosmopolitan: «Era muy joven y muy estúpido», dijo años más tarde. Era efectivamente la primera vez que un desnudo masculino aparecía en una revista que no fuera pornográfica. Un posado a doble página que imitaba al formato de Playboy en el que se tapaba estratégicamente sus partes «pudientes» mientras fumaba un cigarrillo sobre una piel de oso.

Burt Reynolds nació en 1936 de ascendencia india por parte de su padre. Muy joven estaba destinado a ser una estrella del fútbol. En su último año en Palm Beach High School fue nombrado mejor jugador del primer equipo del estado, y después de graduarse asistió a la Universidad de Florida con una beca de fútbol, pero sufrió una lesión en la primera temporada, que empeoró después de un accidente automovilístico ese mismo año.

Con el final de su carrera futbolística consideró convertirse en oficial de policía como su padre, pero finalmente decidió seguir una carrera artística e inscribirse en un curso de Arte Dramático. Después de abrirse camino en el teatro fue reclutado para la televisión, donde ganó popularidad. Poco a poco su apariencia y atractivo sexual lo llevaron a ser seleccionado para protagonizar algunos éxitos, pero fue con el inesperado éxito de Deliverance, en un papel originalmente destinado a Marlon Brando, que se convirtió en uno de los mayores símbolos sexuales estadounidenses. Era entonces uno de los actores más codiciados de Hollywood, trabajó con Woody Allen, y se negó a asumir el personaje de James Bond, a pesar de que su filmografía estuvo llena de películas de acción. En la década de 1990 se dedicó a las series de televisión y a aparecer en algunos comerciales.

Hizo su regreso al cine con la película Striptease en 1996, y volvió a encarrilar su carrera. Fue nominado a un premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto y ganó un Globo de Oro. En el 2007 recibió el premio Taurus Lifetime Achievement Award. Al entregar el premio, Arnold Schwarzenegger se refirió a él como el mejor de los mejores.

Septiembre 5 de 1940: Nace Raquel Welch

Nació un Sex-symbol de los 60 y 70, cuya exuberancia le hizo ganarse el sobrenombre de El Cuerpo. Un estandarte de completa y absoluta belleza para muchos. La actriz norteamericana de ascendencia latina, el cuerpo escultural, la mirada provocativa, la voz susurrada; una fuerza de la naturaleza que rompió la dictadura de las rubias en el terreno de las sex symbols, con ella se acabó el dominio de las rubias explosivas y comenzó una nueva época en el canon de belleza en el cine.

Nació con el nombre de Jo Raquel Tejada en Chicago: «Mi madre era una anglosajona nacida en Chicago, y mi padre, boliviano. De él heredé la estructura ósea, el color de la piel, la pasión, la intensidad de carácter. En Hollywood al principio no estaban precisamente contentos con esas características. Querían que me cambiara el nombre de Raquel por el de Debbie, y en la sala de maquillaje siempre hacían todo lo posible por aclararme el tono de la piel. Sin embargo, yo llegué a la conclusión de que quizás eso que en la industria no gustaba podía convertirse en mis mejores cartas. No quería ser una cara más, así que decidí aprovechar mis rasgos. Y la verdad es que funcionó».

A los dieciocho años contrajo su primer matrimonio con James Welch, su novio del instituto y de quién tomó su apellido artístico. Con él tuvo sus dos hijos. Aquel primer matrimonio duró poco, y aunque se quedaría para siempre con su apellido de casada, en ese entonces tuvo que aceptar diversos trabajos, incluidos pequeños papeles en películas como El trotamundos junto a Elvis Presley.

Pero fue como Loana, de la Tribu de la Concha, cuando se convirtió en un ícono. La película Hace un millón de años, era una chifladura en la que se mezclaban cavernícolas con dinosaurios. Ella apenas hablaba tres frases en un idioma unga-unga inventado. Pero el póster de la película, con Raquel con su bikini de piel, la convirtió en un icono de los 60: «Aquello fue algo que me ocurrió a los veintipocos años. Apenas había empezado a descubrir el mundo y mi lugar en él. Era casi una niña e iba improvisando, me dejaba llevar por las oportunidades. Y la verdad es que me sentía un poco asustada ante los continuos halagos hacia mi cuerpo, las sesiones de fotos en bikini y todas esas cosas. Aquellas circunstancias la me afectaron profundamente, retrasaron mi desarrollo personal. Pasé mucho tiempo siendo simplemente un objeto delante de la cámara. Me sentía cada vez más vacía. En mi época de sex symbol era inmadura, insistía en adoptar actitudes infantiles, y no llevaba una vida feliz». Así que se dedicó al yoga, a la gimnasia y a los productos de belleza. Su línea de pelucas fue todo un hit en su momento.

A pesar de la fama, nunca ha dejado de verse como una chica conservadora y tranquila del Medio Oeste estadounidense. Ha dosificado sabiamente sus apariciones en fiestas, igual que sus manifestaciones políticas. Ajena a los sensacionalismos, siempre supo cuidar su imagen pública, y nunca dejó de ser una mujer moderna y una actriz sofisticada.

Le faltaba talento, dicen sus críticos, pero para sus defensores, demostraría que no tenía solo un cuerpo para regalar al público en general. La crítica terminó dándole crédito por sus interpretaciones en las películas Hannie Caulder y Los 3 Mosqueteros. A la belleza, la amabilidad y el atractivo sexual, ella agregó talento.

Sus muy atrevidos bikinis hicieron historia y esa pequeña prenda se convertiría en su marca registrada, todo esto en un momento en el que el movimiento hippie alcanzaba su apogeo en los Estados Unidos, el feminismo radical se estremecía en algunos países de Europa, y estaban surgiendo modelos como Twiggy y otras jóvenes delgadas, flacas y descarnadas. Quien trabajó con ella subraya que tiene una cabeza mucho mejor amueblada que lo que decía el estereotipo de las mujeres hermosas en aquellos años: «Me esfuerzo para que mi carrera se acople a mi vida, y no al revés. Ya no soy una niña, y me alegro mucho de no serlo»

Por todo eso, muchos no olvidarán a la bella Jo Raquel Tejada Hall, Raquel Welch.

Septiembre 5 de 1941: Nace Jairo Aníbal Niño

Nació en Moniquirá, Boyacá, un niño grande, uno de los escritores que gozó de mayor reconocimiento y respeto en Latinoamérica.

Jairo Aníbal Niño era como su apellido cuando se encontró con los libros, los aviadores y los gitanos. De ellos aprendió a desarrollar su imaginación como otra forma de volar. Muy joven recorrió el país, conoció las aldeas, las ciudades, las montañas, los ríos, la selva y la mar.

Desde temprana edad partió hacia Bucaramanga debido al asesinato de su padre y la situación de violencia en la región. De sus vivencias van a dar cuenta sus obras y sus diversas expresiones artísticas, primero con la pintura, donde resaltaron los paisajes, y posteriormente con el teatro, en el que se expresó un gran contenido social; en ambas expresiones la relación con Boyacá está siempre presente.

En su adolescencia ejerció diversos oficios. Fue actor de teatro, aprendiz de mago y marinero. En su época de estudiante universitario integró el grupo de pintores La Mancha y fundó y dirigió grupos de teatro. Sus obras han obtenido premios no solo en Colombia. Está en la Lista de honor de la Organización Internacional para el Libro Juvenil con sede en Suiza.

En 1993 en España se le otorgó el premio Cuchillo Canario de Narración. En La Habana su libro La alegría de querer ganó el premio Misael Valentino. En México en 1996 la Asociación Mexicana de Narradores le otorgó el Premio Caracol al Mérito. Algunos de sus textos han sido traducidos al inglés, francés, alemán, portugués, finlandés, eslovaco y chino.

Como conferencista y director de talleres desarrolló su trabajo en Colombia y en otros países de América Latina y Europa. Fue catedrático de varias universidades, director de la Biblioteca Nacional de Colombia hasta 1990, guionista y director del taller de dramaturgia del Teatro Libre de Bogotá, y director del teatro de la Universidad Nacional de Colombia.

Como profesor fue destacado por su crítica a la forma de enseñar y su vocación por darle un mayor lugar a los niños en el proceso de enseñanza. Con una obra muy productiva, su mayor contribución la hizo al género de la literatura infantil y juvenil; publicó varios libros de cuentos y poemas para niños y jóvenes, a los que dedicó la mayoría de sus publicaciones y gran parte de su carrera como escritor. Sus cuentos infantiles, para todas las edades, crean fábulas maravillosas, donde afloran los conflictos del ser y la sociedad.

Jairo Aníbal Niño murió en Bogotá en el 2010

Septiembre 5 de 1946: Nace Freddie Mercury

Nació el embajador del Rock más innovador y extravagante. Con una voz única, unida a letras impactantes, una presencia escénica emblemática, y lo más destacado de Queen, Freddie Mercury aún marca generaciones y es inspiración para otros vocalistas de todo el mundo. Una leyenda.

Era un nativo de Stone Town en Zanzíbar, una ex colonia británica y su nombre de pila era Farrokh Bulsara. Sin embargo, el apodo de Freddie surgió durante su período escolar en la India y se hizo oficial en la década de 1970, cuando cambió legalmente su nombre para Freddie Mercury.

Tenía un título en artes gráficas y fue responsable de crear el logotipo de Queen, conocido como Queen Crest. El concepto del emblema fue unir los signos del zodíaco de todos los miembros del grupo: Dos Leones (John Deacon y Roger Taylor), Cáncer (Brian May) y Virgo (Freddie Mercury). La «Q» y la corona representan el nombre de la banda, y un fénix protege todo. Durante mucho tiempo tuvo una relación con Mary Austin, una vendedora que le presentó Brian May, guitarrista del grupo. La canción «Love of My Life» fue compuesta para ella, y en su testamento le dejó su mansión londinense y todos los derechos de sus canciones. Solía decir que Mary era la persona más importante de su vida, y que la consideraba su esposa.

Uno de los principales deberes del asistente de Freddie Mercury era estar siempre con papel y bolígrafo para que fuera posible registrar cualquier tipo de inspiración que pudiera surgir en cualquier momento. Uno de los casos de composición que surgió de esta manera es la canción Life is Real, creada durante un vuelo a Nueva York.

Cuando se le preguntó de qué se trataba la canción Bohemian Rhapsody, Freddie respondió que la canción no tenía ningún significado: «Son rimas sin sentido», aunque el guitarrista del grupo llegó a afirmar que la canción contiene varias referencias veladas a los traumas personales del cantante.

Freddie Mercury y su familia eran expertos en zoroastrismo, y su funeral fue realizado por un sacerdote de esta orientación religiosa. Fue cremado, y sólo su familia, Mary Austin, los miembros de la banda, y Jim Hutton (su último compañero), saben dónde fueron depositadas sus cenizas. Esa información nunca fue revelada.

Septiembre 5 de 1965: Aniversario de César Rincón

Un saludo de felicitación en su cumpleaños al maestro César Rincón, una gloria de la torería nacional que nació en Bogotá. El torero más importante que ha dado América, y uno de los 6 o 7 mejores toreros de toda la historia, recibió la alternativa en La Santamaría, y en 1991 salió 4 veces por la puerta grande de Madrid, por San Isidro. Fue designado embajador volante de Colombia en Europa, y representó al país en la Exposición Universal de Sevilla en 1992. En el 2007 se retiró en la plaza Monumental de Barcelona, y se despidió del toreo definitivamente en la Plaza de toros La Santamaría en el 2008.

Desde los 14 años, cuando siendo un niño se fue a España para aprender a torear, en casa del matador español Pablo Lozano empezó a perseguir la gloria. En su empeño no lo detuvo ni la tragedia. En 1982 su madre y una de sus tres hermanas murieron tras un inexplicable incendió que arrasó con la pequeña casa del barrio Fátima en la que también vivían su hermano y su padre, quien además vio convertido en cenizas ese laboratorio fotográfico que tenía instalado en el baño, y con el que se ganaba la vida, precisamente vendiendo fotos a los toreros. También se sobrepuso a una terrible cornada en la plaza de Palmira, que lo tuvo a las puertas de la muerte. Y tras rivalizar con los toreros españoles más importantes, tuvo que librar una silenciosa batalla contra la hepatitis C que lo obligó a alejarse de los ruedos en 1999. Después de un durísimo tratamiento, similar a una quimioterapia, no sólo volvió a vivir, sino que regresó a los ruedos con el deseo de despedirse a lo grande, saliendo a hombros.

Y César Rincón en este 2021 fue llevado a hombros por sus compañeros hasta la Puerta Grande, saliendo en volandas una vez más en la plaza de toros más importante del mundo. El Centro de Asuntos Taurinos de la Comunidad de Madrid le rindió homenaje con motivo del 30º aniversario de aquella temporada de 1991 en la que revolucionó la plaza de Las Ventas al lograr salir por la Puerta Grande en cuatro ocasiones, hito que ningún torero español ha conseguido en 300 años de tauromaquia. En el breve lapso de 24 horas un torero desconocido en España se convirtió en el colombiano que pasó a cobrar hasta 27 millones de pesetas en una corrida de toros. Pero más allá de los triunfos numéricos, César Rincón ha sido un torero querido y respetado en todas las plazas en las que ha hecho el paseíllo.

Septiembre 5 de 1997: Muere Teresa de Calcuta

En la ciudad en la que dedicó su vida a los más necesitados, murió a los 87 años, Agnes Gonxha Bojaxhiu, el ángel de los más pobres. Santificada no sólo por aquellos a quienes ayudaba sino también por gobiernos, instituciones internacionales, y poderosos personajes, recibió el premio Nobel de la Paz en 1979.

Una vida dedicada a los olvidados, a los más desposeídos del planeta. Durante 50 años calmó a los que morían en cloacas, dio refugio a niños abandonados en cestos de basura, alivió las heridas infectadas de los leprosos y tranquilizó a los enfermos mentales y a las víctimas del sida. Fue una voz influyente a favor de causas conservadoras, una fuerte opositora del aborto, los medios anticonceptivos y el divorcio, y se enfrentó a la primer ministro Indira Gandhi, en torno a un programa de esterilización para limitar el crecimiento demográfico de la India

Cuando murió, la congregación de las Misioneras de la Caridad contaba ya con más de quinientos centros en un centenar de países. Pero quizá la orden que fundó, cuyo objetivo es ayudar a los más pobres de los pobres, es la parte menor de su legado; la mayor fue erigirse en un ejemplo inspirador reciente, en la prueba palpable y viva de cómo la generosidad, la abnegación y la entrega a los demás también tienen sentido en tiempos modernos. Ella atendía a miles de desheredados y moribundos sin importarle a qué religión pertenecían.

Nacida en el seno de una familia católica albanesa, la profunda religiosidad de su madre despertó en Agnes la vocación de misionera a los doce años. Siendo aún una niña ingresó en la Congregación de las Hijas de María. Conmovida por las crónicas de un misionero cristiano en Bengala, se embarcó hacia allí, donde cursó estudios de magisterio y eligió el nombre de Teresa para profesar. Apenas hechos los votos pasó a Calcuta, la ciudad con la que habría de identificar su vida y su vocación de entrega. Durante casi veinte años ejerció como maestra. Sin embargo, la profunda impresión que le causó la miseria que observaba en las calles de la ciudad la movió a solicitar a Pío XII la licencia para abandonar la orden y entregarse por completo a la causa de los menesterosos.

Enérgica y decidida en sus propósitos, Santa Teresa de Calcuta pronunció por entonces el que sería el principio fundamental de su mensaje y de su acción: «Quiero llevar el amor de Dios a los pobres más pobres; quiero demostrarles que Dios ama el mundo y que les ama a ellos. El trabajo que hacemos no tiene nada de heroico. Cualquiera que tenga la gracia de Dios puede hacerlo».

Aunque mantuvo su mismo dinamismo en la lucha para paliar el dolor ajeno, su salud comenzó a declinar y su corazón a debilitarse. En 1993 contrajo la malaria en Nueva Delhi, enfermedad que se complicó con sus dolencias cardíacas y pulmonares.

A finales del 2015 el Vaticano aprobó su canonización, y el 4 de septiembre del 2016, ante más de cien mil fieles congregados en la plaza de San Pedro, el papa Francisco ofició la ceremonia que la elevaba a los altares. Su festividad, el 5 de septiembre, fue incorporada al santoral católico.

Septiembre 4 de 1874: Muere Carreño

Murió en París el músico, pedagogo y diplomático venezolano que le enseñó buenos modales a América Latina y a España. El hombre a quien hay que culpar de no poder poner los codos sobre la mesa. Nuestras abuelas y profesores, que eran implacables cuando de modales se trataba, solían disparar esta frase cuando se hablaba mientras se masticaba o se ponía un codo sobre la mesa: ¡A este niño le falta su manual de Carreño!

Carreño era la biblia de los buenos modales en América Latina. Cómo portarse en la mesa, cortejar a una dama, bailar, aplaudir, tocar la puerta y hasta llevar un ataúd.

Decidió empezar su riguroso libro de urbanidad explicando que «Sus prescripciones tienden todas a la conservación del orden y de la armonía entre los hombres. La etiqueta es una tarjeta de presentación. Muestra el nivel de educación, cultural, profesional y social de la persona que la práctica». En otras palabras, sin buenos modales, viviríamos en permanente conflicto. El famoso manual reúne reglas estrictas para casi todo.

Carreño no aconsejaba. Enumera sus principios de urbanidad como si nos entregara las tablas de la ley. Página tras página se suceden las que él considera leyes incuestionables que debemos obedecer si queremos salvarnos del rechazo social. Sin duda, muchas de las normas de etiqueta del siglo XIX, especialmente aquellas sobre el aseo, la justicia y el respeto, tienen aún vigencia en el siglo XXI. Sin embargo, el manual también abunda en normas que se alejan del sentido común y se acercan a la frontera del absurdo. Y algunas, escritas con solemnidad, parecen ejercicios de comicidad. Pero pese a la mirada crítica sobre algunas de sus normas, Carreño fue un adelantado a su época, en que la esclavitud no había sido abolida y las mujeres estaban a más de un siglo de que la legislación internacional reconociera su derecho al voto.

No sólo dedicó su manual a jóvenes de ambos sexos cuando la enseñanza estaba casi exclusivamente orientada a los hombres, sino que se encargaría de independizar a su hija del gobierno doméstico, para enseñarle música. La pianista Teresa Carreño, aclamada como una de las mejores pianistas del mundo, fue de las primeras en aprender el manual de la mano de su propio padre. Ella nació el mismo año de la publicación. Publicado en 1853, el Manual de Urbanidad y Buenas Maneras para Uso de la Juventud de Ambos Sexos se convirtió en un éxito inmediato en el mundo hispanohablante. Incluso el gobierno español incluyó el manual entre sus libros escolares. Para cuando murió su libro contaba con más de veinte reimpresiones. Sin embargo, el que por más de un siglo fue un referente de etiqueta desde México hasta Chile, parece caer en el olvido. Es más, si hoy cumpliéramos cada uno de sus principios, antes que vernos como gente refinada, podrían acusarnos de machistas, clasistas o ridículos. ¿Es que acaso los buenos modales han pasado de moda?.

La popularidad de las redes sociales cambió nuestra manera de relacionarnos y con ello también aparecieron nuevos malos modales. Pero aunque el mundo haya cambiado, el principio básico del manual de Carreño sigue siendo el mismo: ninguna comunidad funciona si no hay entre sus miembros reglas de consideración mínimas. Esto rige en el mundo virtual y en el real. En tu país o en otro. Eso lo supo Manuel Antonio del Rosario Carreño Muñoz, quien debió dejar Venezuela con su familia en 1862, en medio de una profunda crisis política y económica. Nunca regresaría.

Manual de Carreño:

El ronquido no es un movimiento natural y que no pueda evitarse, sino un mal hábito, que revela siempre una educación descuidada.

Un caballero siempre debe ponerse de pie y ceder su asiento a las damas

Los vellos que nacen en la parte interior de la nariz deben recortarse cada vez que crezcan hasta asomarse por fuera

La costumbre de andar por la calle con un perro es enteramente impropia de personas bien educadas.

Evitemos el leer en la ventana, para que los que pasan no crean que hacemos ostentación de estudio.

Es una imperdonable grosería el separar del pan parte de su miga, para traerla entre las manos, formar pelotillas y arrojarlas a las personas.

Las mujeres deben educarse en los principios del gobierno doméstico y ensayarse en sus prácticas desde la más tierna edad.

Una mujer decente no debe vestirse provocativamente.

Las atenciones que debemos a los demás no pueden usarse de manera igual con todos. La urbanidad estima en mucho las categorías establecidas por la naturaleza, la sociedad y Dios: así es que obliga a dar preferencia a unas personas sobre otras.

El aplauso en las comedias debe ser corto y en las tragedias más largo.

Septiembre 4 de 1993: Muere Tatoo

Murió un conocido y querido actor y pintor francés. Tatoo en La isla de la fantasía, papel con el que quedó inmortalizado en la memoria de miles de fanáticos. Un pequeño gigante atormentado.

Hervé Jean-Pierre Villechaize nació en París en 1943. Su madre fue enfermera voluntaria durante la Segunda Guerra Mundial y durante su embarazo tuvo un accidente automovilístico mientras estaba en una misión. Ella creía que esto habría provocdo la condición física que lo haría un hombre de tan solo 1,19 de estatura en la edad adulta. De hecho, padecía un trastorno endocrino.

Se desconoce su padre biológico, pero fue criado por el cirujano André Villechaize, quien se casó con su madre justo antes de que ella diera a luz. Era un hombre muy rico y gastó una pequeña fortuna, sin éxito, en tratamientos para su hijo. Aún muy joven, su madre abandonó a la familia alegando que no podía vivir con Hervé, de quien cuidaba su padre. A los 16 años ingresó en la École des Beaux-Arts para estudiar arte. En este momento también comenzó a trabajar como modelo en vivo para otros pintores, y se fue de casa por problemas con su padre.

En 1961 se convirtió en el artista más joven en exhibir su obra en un museo de París. En 1964 se trasladó a Nueva York y aprendió inglés viendo televisión. Inicialmente trabajó como artista, pintor y fotógrafo. Frecuentando la vida bohemia de la ciudad, fue invitado a actuar en algunas producciones. Después de trabajar en algunas películas alternativas, tuvo su gran oportunidad cuando fue elegido para interpretar al secuaz Nick Nack en El hombre de la pistola de oro en 1974. La película fue un gran éxito y lo convirtió en una estrella muy popular. Cuentan que se le veía saliendo a menudo acompañado de más de una chica en cada cita.

Estaba emocionado por el estrellato, pero no todo fueron flores. Al estreno de la película, asistieron sus padres; no veía a su madre desde 1955 y a su padre desde 1961. Pero durante la proyección se levantaron del cine y se fueron, considerando su papel degradante. Desde entonces nunca tuvo contacto con su familia.

Después de la película concedió numerosas entrevistas y posó para miles de fotos, fue invitado a varios eventos e hizo una pequeña fortuna, pero toda la popularidad no le garantizó un nuevo trabajo como actor. Desempleado y en quiebra, después de gastar todo el dinero que había ganado en mujeres y excesos, perdió la mansión que había comprado y vivía en su auto. Fue entonces cuando tuvo la mayor oportunidad de su carrera como el simpático Tattoo en Fantasy Island. La serie fue un gran éxito, el eslogan «el avión, el avión» lo devolvió al estrellato, y fue nominado a un Globo de Oro en 1982.

En la Isla de la Fantasía los productores tuvieron problemas debido a conductas impropias con sus pares femeninos. Los muchos problemas que causó, además de sus constantes retrasos, y asegurar que su presencia vitalizaba la serie sin ser apropiadamente retribuido, produjo la irritación de los productores, por lo que fue despedido. Sin el centro de atención del programa, los roles cesaron nuevamente.

En la década de los 80 incluso vivió en España, donde participó en un programa de comedia, en el que imitó al presidente del gobierno Felipe González. En esta década también fue un firme defensor del abuso del trabajo infantil en Hollywood. Incluso en decadencia, seguía siendo un ídolo de los niños.

En los años 90 tuvo problemas de salud, se volvió alcohólico y sufrió periodos depresivos graves. Decidió terminar con su vida a los 50 años, y momentos antes grabó un mensaje explicando por qué había llegado a tal decisión. Su novia de entonces era Kathy Self.

«Debo hacer lo correcto. Desde los seis años de edad sabía que no había lugar para mí. Sepan por favor que Kathy tiene el derecho que les confieren las leyes sobre mis pertenencias, incluyendo los derechos sobre mis obras, películas y escritos. Te amo demasiado, eso es tan sólo uno de mis problemas. Mamá, mis hermanos y tú no existen en mi corazón, ustedes no cuidaron nunca sino sólo de ustedes mismos desde 1955. Se acuerdan? Kathy fue la única familia que tuve en mi vida. Lo hizo lo mejor que pudo. Ustedes no. De manera que ella se lo merece todo. No puedo fallar con una bala. Ah, nunca nadie supo mi dolor durante 40 años o más. Tengo que hacer esto».

Septiembre 4 del 2006: Muere Jaime «El mono» Osorio

Colombia perdió a un afamado cineasta a sus 59 años. Coproductor de cintas de reconocimiento internacional como María llena eres de gracia, La Virgen de los sicarios, y Confesión a Laura, reconocida por muchos como una de las tres mejores películas del cine colombiano de todos los tiempos, que por problemas de costo tuvo que filmarla en La Habana, pero con ella ganó en los festivales de Huelva, España, Cartagena, y Trieste en Francia: «Imagina el calor de La Habana y los actores con las vestimentas típicas de la fría Bogotá de mediados del Siglo XX», recordaba en alguna entrevista.

Jaime «El mono» Osorio Gómez nació en Viterbo, Caldas, estudió derecho en la Universidad Autónoma de Colombia y se inició en el mundo de las imágenes haciendo comerciales y documentales de corte político, como Chile no se rinde, carajo.

Pieza clave en la construcción de la identidad del cine colombiano, se había dedicado a forjar una verdadera industria del cine en Colombia. A través de Tucán Producciones, no sólo desarrollaba las películas que él mismo dirigía, sino que le abrió las puestas a los nuevos realizadores con muy buenos resultados en los festivales internacionales.

Consideraba que el cine colombiano estaba en su mejor etapa, no sólo por la cantidad de producciones, o la Ley de Cine, también porque el colombiano estaba viendo cine nacional, y eso para él era un gran paso hacia adelante: «Ahora es más fácil si uno utiliza todas esas nuevas metodologías digitales que existen, debido a que permiten una cierta democratización en el cine, es decir cualquier muchacho puede hacer una película y ver el resultado en el laboratorio antes de gastarse el dinero».

Su trabajo no paraba, estaba convencido del florecimiento de una industria cinematográfica nacional, como lo demuestran los últimos proyectos en los que intervino. A través de su empresa se encontraba involucrado en la realización de cuatro nuevas películas, pero en especial en la escritura, producción y dirección de La hora de los leones, su próximo largometraje, que relata la vida de tres sobrevivientes colombianos del Siglo XX, quienes luego de una juventud de gran amistad, terminan luchando en bandos diferentes, unos como capos de la mafia del narcotráfico, y otros como policías. 

Lo recuerdan como un hombre muy generoso y muy abierto a la gente joven. Que no era egoísta ni con su experiencia ni con sus conocimientos”. Y su trabajo permitió que el cine colombiano alcanzara un nivel internacional y pudiera ser visto en los espacios cinematográficos más importantes del mundo.

Sergio Becerra, profesor y crítico de cine decía sobre él: «Pocos individuos reúnen en sí mismos los distintos engranajes de la creación cinematográfica. Pocos también los destinos que se confunden con los de un proceso en gestación; de la aventura artesanal a la semilla de una industria naciente. En esa tortuosa vía de la pasión al raciocinio, son las de este personaje y del cine colombiano trochas que convergieron en un mismo camino».

Septiembre 3 de 1920: Nace Chabuca Granda

Nació una una Diosa de la música criolla. Hablar de María Isabel Granda Larco, Isabela, Chabela, Chabuca Granda, es mencionar a la crema y nata de la música peruana, la cumbre máxima, su representante con palabras mayores. En el mosaico Perú es una de sus piezas más grandes. La compositora peruana más universal. Su aporte a la literatura, música y cultura es inconmensurable.

De cuna aristocrática, miembro de la alta sociedad limeña, nació en 1920 en un asentamiento minero a 4.800 metros sobre el nivel del mar, en la Sierra, donde su padre era ingeniero. Fue la segunda hija de un gran amor de años entre Eduardo e Isabel, quienes decidieron trabajar y vivir más cerca del cielo. En ese escenario dieron vida a la peruana del siglo XX, a la mejor de las poetas de ese país, admiradora de los Beatles, y de Pablo Milanés, estudiosa e impulsora de la música negra. Su origen andino y criollo dio por zanjadas ridículas distinciones entre peruanos. Andina y costeña, le rindió con su obra constante homenaje a la peruanidad. Contaba siempre que su infancia estuvo marcada por la diversidad y por el amor a la tierra. Sus padres la vestían con los trajes de los andes, y nunca tuvieron que imponérselo, orgullosa de su origen.

A los doce años descubrió su vocación musical; comenzó a cantar, y su registro soprano le permitió integrar el coro del colegio, y fue escogida vicepresidenta de la Asociación de Canto. En su corta vida se dio tiempo también para ser esposa y madre.

En medio de una sociedad machista se casó, tuvo tres hijos y se separó, lo que supuso un no pequeño escándalo en la sociedad de la época. Ese mismo año inició su carrera en solitario. Cuando le preguntaban por esta época siempre la eludía diciendo que lo mejor que le dejaron esos años de matrimonio fueron sus hijos. Muy moderna para los tradicionalistas y anticuada para los de vanguardia, su propuesta era sin duda subversiva.

Una vez al escuchar a Pablo Milanés dijo que eso era lo que siempre quiso hacer: canciones en las que la voz cambie de melodía entre estrofa y estrofa. Es esa característica la que hace que sus canciones suenan incluso ahora, modernas. No es trova, ni folclore, lo suyo es celebración y vanguardia. Su voz ronca le cantó a la costa, a la sierra y a la selva peruana. También la belleza de la mujer negra peruana. En su lírica enamorada siempre está la esencia peruana.

La Flor de la Canela se convirtió en su obra máxima, y la lanzó al estrellato nacional y fue compuesta en homenaje a Victoria Angulo, una distinguida señora de raza negra.

Fina Estampa la compuso dedicada a su padre, quien fuera, en palabras de ella misma «Un hombre a carta cabal», y al que consideraba su mejor y más grande amigo.

En 1956 viajó a Estados Unidos para ser operada de la garganta, y esto dejó secuelas en su voz volviéndola más grave. Sin embargo, definió su cantar peculiar, el que le dio una personalidad artística inconfundible. Dejó de existir en 1983 estando en Miami, de forma sorpresiva, debido a una isquemia cardíaca, y cuando se encontraba ocupada en muchos proyectos artísticos.

Chabuca, Chabuca de Lima, Chabuca del Perú no tuvo precursoras, fue pionera, tradición y revolución al mismo tiempo. En el 2017 su obra musical fue declarada Patrimonio Cultural del Perú, y en el 2019 el gobierno de su país le concedió a título póstum la máxima condecoración nacional, la Orden El Sol del Perú.

Y como parte de la labor de remodelación del Centro Histórico de Lima se reservó una extensa área para actividades recreativas y culturales que fue bautizada Alameda Chabuca Granda. El reconocimiento del mundo a su obra se vió reflejado dando su nombre un paseo en Buenos Aires y a dos plazas, una en Madrid y otra en Santiago de Chile.

Septiembre 2 de 1999: Muere Virginia Gutiérrez

Murió en Bogotá la mujer que cambió la historia de la antropología en Colombia. La recordamos por dar luz a la familia colombiana, a sus orígenes, y establecer las pautas para entender su comportamiento.

Virginia Gutiérrez de Pineda nació en El Socorro en 1921 en una familia de diez y seis hijos. A pesar de pertenecer a lo más tradicional de la sociedad rural santandereana, fue alentada desde muy niña a educarse, iniciando con una maestra particular en su casa.

Entre 1940 y 1944 estudió en la Escuela Normal Superior y en el Instituto Etnológico Nacional, instituciones que fueron decisivas para su formación profesional y en su orientación hacia las ciencias sociales, particularmente hacia la antropología.

Se casó con el antioqueño Roberto Pineda Giraldo, quien había sido su compañero de estudios, y juntos viajaron a la Universidad de California en Berkeley, donde recibió el grado de maestría en Antropología Social y Médica gracias a una beca. En 1962 obtuvo el Doctorado en Ciencias Sociales y Económicas de la Universidad Pedagógica Nacional.

Aunque en un comienzo sus investigaciones se concentraron en el estudio de grupos indígenas de Santander, Chocó y la Guajira, luego de su maestría en Berkeley orientó su actividad a estudiar los aspectos culturales de las enfermedades y la medicina popular y tradicional de Colombia. Fue profesora de la Universidad desde 1957 hasta su jubilación, donde dictó clases en la Facultad de Medicina y en Ciencias Humanas. Y es por ese entonces que se planteó lo que se iba a convertir en su trabajo.

El interés por la familia, por conocer sus características, la relación con la madre y los problemas en la infancia, la llevó a dedicarse al estudio de la familia y sus rasgos culturales en Colombia, combinando métodos históricos y etnográficos, indagando en varias regiones y escribiendo numerosos trabajos académicos. En 1963 publicó Familia en Colombia, un estudio en el que analizó las bases históricas de la familia, y ese primer trabajo le ayudó a elaborar el siguiente, el libro Familia y cultura en Colombia, un estudio sobre los complejos culturales del país y un texto clásico en las ciencias sociales. Este trabajo explora no sólo las tipologías familiares de cada territorio y época, sino también los roles de género, la influencia del medio ambiente, la estratificación socioeconómica, y las transformaciones históricas.

Entre sus premios cabe destacar la medalla Camilo Torres, también fue elegida Mujer del Año en Colombia en 1967, y en el Congreso Interamericano de Familia de 1983 le otorgaron la medalla al mérito. En el 2015, en honor a sus méritos, el Banco de la República escogió su imagen para aparecer en el billete de $10.000 pesos que inició su circulación en el 2016. Pero Virginia Gutiérrez de Pineda es algo más que un rostro en un billete, la familia fue el centro de su trabajo, fue una mujer adelantada a su tiempo.

Septiembre 2 del 2001: Muere Christian Barnard

Casi 34 años después de despertar la admiración del mundo entero al realizar el primer trasplante de corazón a un ser humano, el cirujano surafricano Christian Barnard, el hombre que abrió el camino a los trasplantes de corazón, murió a los 78 años en Paphos, Chipre, donde disfrutaba de unas vacaciones. Había abandonado su país natal hacía pocos meses, molesto por la cobertura mediática que se hizo de su divorcio en el 2000, y, desde entonces vivía en Austria.

Las reacciones a la desaparición de este pionero en la cirugía cardiovascular no se hicieron esperar. El ex presidente Nelson Mandela expresó su pesar desde su residencia de Johannesburgo: «Su muerte representa una gran pérdida para Suráfrica tras todo lo bueno que ha aportado a este país». Destacó además que fue un crítico inequívoco del régimen de segregación racial.

Y es que el prodigio de 1967 tuvo el mérito añadido de haberse llevado a cabo en medio de las difíciles circunstancias del apartheid que vivía Suráfrica. La operación que le llevó a ser conocido a nivel mundial fue realizada en el Hospital Groote Sur de Ciudad del Cabo. El paciente que recibió el corazón de una donante muerta en accidente de auto, Loius Washkasnky, de 58 años, sufría una enfermedad cardíaca terminal y era diabético. La operación, que fue llevada a cabo por él y veinte médicos más, duró cinco horas y se terminó con éxito. Aunque el paciente murió 18 días después, la hazaña abrió el camino a los trasplantes de corazón.

Christiaan Barnard nació y creció en la ciudad de Beaufort West cerca de Ciudad del Cabo, donde estuve por allá en enero del 2006 visitando la Casa Museo, que alberga la colección original de Christian Barnard. Está bien distribuido con información desde su infancia hasta la muerte, y contiene fotografías originales, regalos y honores que recibió, una muestra de premios que se le entregaron, y una réplica del lugar del trasplante original. También se puede visitar la casa de al lado en la que vivía la familia Barnard. El reverendo Adam, su padre, sirvió a la comunidad como misionero, y vivían en la rectoría junto a la Iglesia de la Misión Reformada Holandesa. Ahí, en la rectoría, nació en 1922 Christiaan Neethling Barnard. La casa ha sido restaurada y amueblada como en la época, y las cenizas del profesor fueron enterradas en el jardín.

Christian Barnard estudió medicina en Ciudad del Cabo y se especializó en cirugía cardíaca y pulmonar en la universidad de Minessota. Más adelante volvió a su tierra natal para especializarse en intervenciones a corazón abierto y en el diseño de válvulas cardíacas artificiales. Siempre tuvo problemas de artritis, que le afectaron de forma especial las manos, lo que lo llevó a su prematura retirada de la medicina en 1983, pero no de su vida pública. Se pronunció en contra del apartheid y confesó que había practicado varias eutanasias, convirtiéndose en un personaje controvertido tanto dentro como fuera de su país. Además escribió algunas novelas de gran éxito.

En el terreno estrictamente médico, demostró que los trasplantes de corazón eran posibles, y aunque algunos de sus pacientes murieran después de la operación por problemas de rechazo o complicaciones postoperatorias, él fue el que dio los primeros pasos hacia una nueva manera de cirugía que en estos momentos es pura rutina en la práctica médica, y que cuenta con un alto porcentaje de éxito.

Septiembre 1 de 1886: Nace Tarsila do Amaral

Nació en el interior del estado de São Paulo, Tarsila do Amaral, la pintora brasileña más representativa del movimiento modernista de su país.

Su padre heredó la fortuna de su abuelo, llamado «el millonario», por la inmensa riqueza que había acumulado en las fincas del interior de São Paulo, en las que, en su apogeo, había tenido cuatrocientos esclavos. En las granjas, Tarsila y sus siete hermanos pasaron su infancia. Inició sus estudios en São Paulo, y más tarde, pensando que podía ofrecer a su hija una educación aún mejor, sus padres la inscribieron en el Colegio Sacré-Coeur de Barcelona, donde los completó. Luego comenzó sus estudios de arte con la escultura.

En 1906 se casó por primera vez con un médico que se opuso a su desarrollo artístico y exigió una dedicación exclusiva a la vida doméstica, lo que llevó a la separación de la pareja. Regresó a vivir con sus padres en la granja, llevándose a su única hija, Dulce, con ella. En 1920 se fue a estudiar a París a la Académie Julien. Allí conoció a toda la intelectualidad parisina y realizó estudios de cubismo. Ofreció almuerzos muy brasileños en su estudio, sirviendo feijoada y caipirinha. Además de ser guapa, se vistió con los mejores modistos de la época. La temática brasileña, con los paisajes rurales y urbanos, la fauna, flora, folclore y su gente, se convirtieron en una de las marcas de su trabajo. Dijo siempre que quería ser la pintora de Brasil.

Se casó con el escritor Oswald de Andrade en 1926 y ese mismo año realizó su primera exposición individual en París. En 1928 pintó el Abaporu, cuyo nombre indígena significa hombre que come carne humana, obra que dio origen al Movimiento Antropofágico, idealizado por su esposo. En  1929 exhibió sus lienzos por primera vez en Brasil. La crítica estaba dividida pues mucha gente aún no entendía bien su arte. Ese mismo año, debido al colapso de la Bolsa de Valores de Nueva York, ella y su familia sintieron los efectos de la crisis del café en sus bolsillos y tuvieron que hipotecar sus fincas. Ese mismo año se separó, lo que la lleva a entregarse aún más a su trabajo artístico. A mediados de los 30, el escritor Luis Martins, veinte años más joven que ella, se convirtió en su compañero constante, primero en la pintura, luego en la vida sentimental durante 18 años.

En 1931 expone en Moscú, donde se volvió sensible a la causa de los trabajadores. A su regreso a Brasil participó en algunas reuniones del Partido Comunista Brasileño pero luego de algunos episodios nunca más se involucró en política. Participó en la I Bienal de São Paulo en 1951 y en la Bienal de Venecia en 1964. En 1965, separada de Luís y viviendo sola, se sometió a una cirugía de columna, y un error médico la dejó paralizada, permaneciendo en silla de ruedas hasta sus últimos días. En 1966 perdió a su única hija, y en esos tiempos difíciles declara su acercamiento al espiritismo. A partir de entonces comenzó a vender sus cuadros, donando parte del dinero obtenido a una institución benéfica. Murió en 1973 por causas naturales y fue enterrada en el cementerio de la Consolação con un vestido blanco, como quiso.

Acerca Claudia De la Pava Abad

Claudia De la Pava Abad